Сильнейший глэм-метал альбом. На этом лонгплее британцы стали отдаляться от звучания британской новой волны в сторону глэма, находящегося на пике популярности в США. Однако Def Leppard не просто стали играть стандартную для жанра музыку, а сформировали свой неповторимый "синтетический" стиль, в котором выдержаны и два последующих их диска.

После записи предыдущего полноформатника "High 'n' Dry", из-за разногласий, связанных с алкоголем, группу покинул гитарист Пит Уиллис. Вместо этого в состав был принят Фил Коллен, и Def Leppard со старым продюсером продолжили работу над новым альбомом.

"Pyromania" отличается от ранних работ большей синтезированностью инструментов, особенно это заметно в барабанных партиях (складывается стойкое впечатление, что их исполняет не барабанщик, а драм-машина). Гитары и бас играют роль подстилки, хотя риффы ещё не тонут в синтезаторных пассажах. На вокал и бэки наложено множество эффектов, из-за чего песни кажутся ещё более синтетическими. Всё это вместе создаёт собственное "деф-леппардовское" звучание.

Альбом представляет собой кладезь хитов - любую песню можно дать послушать незнающему человеку, и он точно скажет, что это хитяра. Гимноподобная "Rock! Rock! (Till You Drop)", балладная "Too Late for Love", несерьёзная "Foolin'" или задорная "Action! Not Words" - каждую вещь здесь можно слушать и слушать, а вместе и так не сильно длинная пластинка (44 минуты) проносится за одно мгновение.

"Pyromania" достиг успеха, разошедшись тиражом в 10 миллионов проданных копий, что, я считаю, вполне заслуженно. Альбом смог сохранить золотую середину между попсовостью материала и роковостью гитарных партий, что позволило снискать успех как у обычных слушателей, так и у более экстремальных. И хотя последующий лонгплей Def Leppard смог превзойти и так баснословный успех этой работы, именно "Pyromania" я буду рекомендовать всем как квинтэссенцию глэм-метала. Ну а в сторону твердолобых "митолиздов" я буду снисходительно улыбаться, пришептывая: "f-f-f-foolin...".

ChatGPT   5 дек 2023

Для меня дебютный ЕР Уводь стал едва ли не главным открытием этого года. По крайней мере, в российском блэк-метале. Пусть и субъективно, но это мой однозначный фаворит уходящего 2023-го. Я считаю, что услышать миниальбом стоило бы большему количеству ценителей блэка, уходящего корнями в атмосферную мелодику скандинавских работ середины 90-х. На удивление, ЕР оказался лишь прологом – на конец года Уводь припасли туза, выкатив уже полноформатный альбом "Пламенем прошлого". Кто-то может возразить, что в мире цифровых технологий вовсе не проблема выпускать блэк-метал альбомы хоть каждый месяц. Да и вообще это никогда не вызывало сложностей у «тру-графоманов». Но учитывая тщательный подход Уводи к созданию своей музыки, в данном случае это не какой-то цифровой пустяк.

Итак, что же нам явлено в пламени прошлого? Прежде всего, как и в рецензии на дебют, я вновь отмечу, что не считаю Уводь атмосферик-блэком. Мне до сих пор непонятно, почему сейчас стремятся всюду прилепить эту этикетку по поводу и без?! «Пламенем прошлого» это гитарный альбом – довольно мелодичный, но сырой блэк-метал, который местами напоминает старые работы Ancient, Gehenna и даже Ulver времён их классической трилогии. Безусловно, всё это атмосферная музыка, но и отнюдь не утопающий в клавишных атмосферик-блэк с текстами по природоведению.

Музыкально «Пламенем прошлого» продолжает идеи дебютного ЕР. Даже обложка и название открывающего трека «Вой III» демонстрируют преемственность. Пусть альбом немного однообразен, но почти все сильные стороны прошлой работы остались на месте: мелодии, чёткие структуры песен, вокал в духе Долгара, Сатира и Ноктюрно Культо. Также в музыке сохранилось и ощущение, которое вызывает ассоциации не с сегодняшним «атмосферик-VK-блэком», а, как я уже говорил, с работами середины 90-х. В то время блэк-метал уже полностью сформировался и осознал себя как оригинальный жанр, пока ещё имея возможность не бросаться в крайности в поиске новых идей.

«Пламенем прошлого» то шагает неспешной размашистой походкой, то летит, оседлав ярящуюся вьюгу бласт-битов. Но даже в этих случаях, благодаря плывущим над бластами тремольным мелодиям, в музыке преобладает скорбное ощущение яростной ностальгии, а не чувство адской гонки. В аранжировках и построении композиций определяющую роль играет мелодическая основа, а не тупо гитарный чёс. Есть идеи, которые не очень-то характерны для блэка. Отдельные проигрыши, солирование и мелодии гармонично расширяют строгую палитру оттенков чёрного. К примеру, «Око» местами напоминает раннюю Katatonia.

Удачным решением для этого альбома стало использование акустической гитары. Мелодии, сыгранные в акустике, умело вписаны в колючий блэковый поток и продолжают основные бм-риффы, привнося в музыку фолковый налет, как в случае «Скальд». В «Скорбном духе» акустическая постлюдия стала подлинным украшением композиции, а «Слёзы ивы» мимолётно напомнили мне вечернее настроение ульверовской классики “Kveldssanger”.

Я с интересом ждал этот альбом, но всё же не могу сказать, что он полностью оправдал мои ожидания. Замысел, как мне кажется, я понял, но вот реализация его подзавалена. Что мне не понравилось, это излишне хаотичный звук, который зашумляет многие интересные моменты. Песок из гитар я бы прибрал. Из-за этого даже соло, которые по идее должны сыграть заметную роль, теряются в миксе и порой приходится приложить усилия, чтобы их расслышать. По этой же причине хуже читаются барабаны, а это напрасно. Слышно, что прописаны они вполне достойно и с правильным звуком, но тоже тонут в миксе. Ну и над «чистым» вокалом стоит ещё поработать, конечно.

С другой стороны, «Пламенем прошлого» показал желание группы двигаться дальше по пути музыкального развития, сохраняя при этом свою суть. Мне по душе такое понимание жанра и музыкальное чувство, которое позволяет дополнять музыку интересными чертами, не нарушая канона. Так что я всё же поставлю этот альбом в свою коллекцию. 6,5 из 10

Alias   5 дек 2023

Группа Ceremony возникла в Северной Голландии на волне интереса местных металлистов к набирающему обороты дэту, и в начале 90-х быстро подобрала темп, издав демо, показывая, что то, куда метит группа - не самый извилистый дэт на брутальных началах. В 1993 году коллектив подписывается на небольшой лейбл Cyber Music, который впоследствии не то чтобы прославится, скорее встанет на пути Phlebotomized. В 1993 году, упаковав инструменты и отправившись во Влардинген на немалоизвестную студию "Het Pand" под руководство Фритса ван Мурика, группа Ceremony выкатила оттуда дебютник.

"Tyranny from Above" начинается мощным риффом под бластинг - заявлять о себе торопятся, но не рано ли кошечка запела? Дальше мы наблюдаем развитие витиеватых риффов в стиле брутального дэт-метала по типу Suffocation или Sinister - та же "Inner Demon" содержит ряд хороших риффов. Содержащиеся тут риффы качают, встряхивают, долбят, порой даже интригуют. Даже в весьма примитивной форме музыки, которую подносит Ceremony, заметно, по крайней мере, старание быть креативными - музыка не вызывает ни тени скуки, кое-где, например на "Solitary World", вышло даже весьма большое количество смен темпа, с клёвой грувовой частью. В "Ceremonial Resurrection" появляется фирменное нидерландское "замедление". В общем, альбом не является однородной звуковой полоской. Но креативность, судя по всему, вся утекла в риффинг Йохана ван де Слёйса. Соло здесь не самые сногсшибательные, в основном в стиле раннего Шульдинера, с частым подыгрыванием тэппингом (даже по звуку порой возникает резкое дежавю). Кроме непосредственно брутальных влияний, здесь хорошо видны прямые влияния Death, в особенности этому критерию отвечает "When Tears Are Falling", с нотками раннего Death и Massacre, и с соляком Петера Верхуфа в стиле поздних техничных работ в неожиданном окончании. Барабаны Патрика ван Гелдера тут вполне самодостаточны, с уклоном в напряженную долбёжку по хорошо заметной в миксе бас-бочке. Вокальные партии Миши Вербома вызывают чувство глубокого удовлетворения, хотя вкрапления скриминговых частей по примеру соседа ван Мастригта вышли не самым лучшим образом. А вот неожиданностью стали фрагменты (не)чистого женского вокала от некой Маргрит Асраи. Видимо, в Нидерландах, как и в России, никогда не было комплексов по включению дам в механизмы экстремального металла, женщины как вокалисты и даже как музыканты там было явление совсем нередкое. В целом звук работы я могу охарактеризовать как достаточно плотный, но напрочь лишённый бас-гитары - в миксе её практически не найти, кроме последнего трека. За это ван Мурику дизреспект. Хотя с гитарами тут всё что надо. Кроме не описанных выше треков, хочется отдельно похвалить "Beyond the Boundaries of This World" - достаточно интересный боевичок - но альбом ровный, все песни в нём не проходные.

В итоге "Tyranny from Above" оставил крайне позитивное впечатление после себя - пластинка не обладает конденсатом инфантильности в своей брутальности, и вызывает вполне нормальный интерес к своему материалу. По личным впечатлениям - работа не на одно и не на два прослушивания. Кому интересно, стоит также ознакомиться и с реюнион-альбомом "Retribution" - однако там явно группа пошла в blackened death.

IJzerklompje   3 дек 2023

Легенда канадского прогрессив-трэша со своим девятым альбомом. Архивисты пишут так: «Ранее трэш, позднее прогрессив». Не согласен - именно на этом альбоме представлен забойнейший, крутейший и провокационный прогрессив-трэш с синтезированными фишками, которые были записаны по особым технологиям.
Канадцы Voivod - это такие трэшеры, про которых слышали практически все трэш-маньяки металхэды, да не все слушали музыку, кто-то послушал и сказал «бэ!». А кто-то включил и просто обалдел, ибо было отчего. Все альбомы, записанные в прошлом тысячелетии, оценены либо очень высоко, либо просто высоко. Так что нужно послушать ранние пластинки и проверить к какой категории вы относитесь.
Ну и чтобы два раза не вставать. Скажу, что прогрессив-трэш у Voivod не натужный, а очень органичный и агрессивный одновременно. Это как будто трэш начал играть Жан-Мишель Жарр, причем адский трэш, а не детский его вариант. Впрочем, зачем нам Жан-Мишель Жарр, когда в группе есть Michel Langevin (Drums, Electronics, Accordion), он-то и занимался электроникой, а вся троица создавала вместе экстремальное, жуткое, технологическое полотно.
Тут еще такая штука, каждый ранний альбом Voivod вообще-то можно назвать гениальным. Но те, кто слушает канадцев регулярно, уже немного привыкли к феномену группы, что не отменяет эффект ШОКА для каждого новичка. И хотя я, конечно, слушал этот альбом не раз, и первые диски неоднократно, но для меня при написании рецензии "Phobos" опять открылся будто с новой стороны.
Час и 6 минут глобального эксперимента, очень круто записанного по меркам Thrash Death-альбома с упомянутыми уже электронными спецэффектами. Они-то, если их послушать отдельно, не ахти какие, собственно говоря, но отдельно их еще никто не догадался слушать - только с Гольфстримом брутального трэша VOIVOD.
Кто кого здесь победил? Трэш-метал или прог-метал? Неизвестно. Просто VOIVOD изобрели свой стиль, в котором они, как рыба в Гольфстриме. Возможно, потому они и гении. Проговые партии - это да! А вот трэш, какой там, не мажорный, случаем? Никак нет, - докладываю. Даже намекаю, что в некоторых особых местах троица доходит вольно или невольно до Thrash Death. Ядовитого и грандиозного одновременно, богатого на внутренние детали и лабиринты музыкального наполнения и чертовороты смыслов.
"21st Century Schizoid Man" (King Crimson cover) - безумный дум-стоунер-трэшевый кавер - подарок каждому любителю Кинга «не совсем нашего» Кримсона. Роскошный, забойный и острый, как полтысячи шизоидных скальпелей, насыпанных в кучу. Сиди, слушай, разбирайся, не порежься. Я же говорю, гении.
Кое-где голос вокалиста и басиста Eric Forrest'а похож на голос Martin E. Ain'a из Celtic Frost.
В буклете написано, что небезызвестный Jason Newsted (Metallica) участвовал в написании кое-какой музыки и лирики, а архивисты сообщают, что он еще где-то сыграл на басу и спел как приглашенный музыкант.
Включив диск, вы вряд ли вытащите его после первого прослушивания.
Высшее качество звука, само собой, рекомендуется! \m/

resurgamresponses   2 дек 2023

На дворе стоит 2023 год, многие павер-группы сменили свой жанр в сторону хеви, кто-то не выпускает ничего, а кто-то Bloodbound. Они постоянно прогрессируют, меняясь от олдового пауэра типа Helloween, в сторону прог-метала ("Tabula Rasa"), потом возвращаясь к истокам, и еще позже становясь традиционным хеви-металом в духе Manowar.
Но тут наступает 2014 год, группа начинает тянуться к теме фентези, и получился "Stormborn", который многие критики называют полноценным пауэр-фентези, с чем я не согласен, ведь музыкальная составляющая еще довольно агрессивная - чего только стоит "Satanic Panic", а текста не так часто перекликаются с фентези. В отличие от следующего альбома "War of Dragons", в которых подобной лирики столько, что любой фанат драконов останется просто в восторге. Так же, как и от следующей работы шведов "Rise of the Dragon Empire", которая выдалась довольно слабой: в ней нашлось три шикарные песни, на которые Bloodbound делали
ставку, но на остальные восемь забили болт, создав припевы вроде попсовой "Tears of a Dragonheart", или даже копипастили свой припев "Silver Wings", только в разы медленнее, делая его неуместным. В 2021 году музыканты начали отходить от сахарного фентези, выдав "Creatures of the Dark Realm", который может стать предвестником новых замечательных работ, вроде "Ever Burning Flame", "Kill or Be Killed" или "The Wicked and the Weak".
И тут Bloodbound выходят с новой пластинкой, которая именуется "Tales from the North". Они анонсировали её аж в январе, за целых полгода до выхода, выпустив синглами целых 5 (!) песен из классических 11. Это было довольно странное решение, кроме того, четыре композиции взяты из самого начала диска, а пятая из самого конца. В чем был смысл непонятно, но синглы выдались очень годными за исключением "Drink with the Gods", о котором позже.
Альбом открывает заглавная песня "Tales from the North", которой нужно подражать, если вы не знаете как открывать альбом. Чтобы показать как это делать другому, просто включите ему эту песню, и все вопросы отпадут. Дальше идет крепкий середнячок "Drink with the Gods", который непонятно зачем засунули в начало, после мясного боевика, ведь это песня для концертов и застолий, лучшим решением было бы кинуть её куда-нибудь в середину, а также непонятна цель выпуска одноименного сингла, я думаю, что на "1066"
нужно было закончить, а "Drink with the Gods" продолжать исполнять на концертах до выхода непосредственно альбома. Дальше пред нами встает мощная "Odin's Prayer", которая является задорным боевиком, её бы следовало поставить после заглавной, она её как бы продолжает и заставляет слушателя сидеть в мурашках несколько песен подряд, а не только одну. Дальше идет забойная "The Raven's Cry", одна из лучших песен на пластинке, которая представляет собой фолковое интро, куплеты с барабанным галопом, и качающий припев.
Забавная история о том, как я вообще познакомился с Bloodbound: мы с братом сидим, слушаем песню какой-то пауэр-группы (уже не помню какой) на Яндекс Музыке, и под трек-листом видно новые релизы в этом же жанре. Брат увидел сингл "The Raven's Cry", но заинтересовало его больше название группы, оно ему показалось знакомым. После этого мы послушали сингл, нам понравилось, а брат пошел на поиски в свой плей-лист и дискографии, но он не нашел ничего, а я после этого начал слушать и изучать их.
Прошло четыре месяца, брат их после этого не слушал, а я постепенно начинаю становится их фаном.
Дальше идет "Mimir's Crystal Eye", которая начинается с клавишного разогрева, продолжая эпичным проигрышем. Вокальная линия тут вымученная, и пытается быть всё выше и выше. По некоторым моментам видно, что шведы пытались сделать новый "We Drink Your Blood", выпущенный немцами из Powerwolf еще в 2011. Ну что ж, попытка явно неудачная в плане хитовости и запоминаемости, но как проходняк на альбом пойдет. Шестым номером на пластинке выступила "Between the Enemy Lines", которая вполне подходит
на звание хита, но проигрывает другим претендентам. В песне нас встречает атмосферное начало, переходящее в гимновый запоминающийся припев. Аранжировкой припева композиция похожа на 11 номер предыдущего альбома, называющийся "Face of Evil". Но эта песня явно не сравнится со следующей композицией "Land of Heroes", интро которой состоит из фолкового вступления, и просто бомбического входа в игру гитар и барабанов, а впоследствии и вокала Джея Селлеби. Тут есть просто идеальный бридж, но на припеве есть небольшое ощущение будто во время создания вокальной линии композитор чего-то бормотал, вспомнил что он как бы вокальный мотив делает и из этого получился припев. Но я вынужден признать, что даже это получилось очень круто. Песне явно не хватило раскрутки, и в стриминговых сервисах в погоне за популярностью она с трудом занимает 5-6 места среди песен альбома. А жаль, песня явно лучше и хитовее всяких "We Raise the Dead", "Tears of a Dragonheart" или "Gathering of Souls". Дальше под номером восемь идет, как сначала показалось, просто жемчужина пластинки "Sail Among the Dead" - интро потрясающее, мелодичное, быстрое и атмосферное, куплеты тут с замечательной вокальной линией. Дальше идет бридж, и слушатель замирает в ожидании припева, и тут!.. И тут полный провал, как шведам пришло в голову запихнуть сюда ЭТО? И причем к вокальному мотиву можно не придираться, но как можно было сделать такую аранжировку с мотивом "туц-ТУЦ-туц-ТУЦ", который вообще не подходит настроению и задору песни? Этот припев (с подобной аранжировкой) смотрелся бы неплохо в среднем темпе, но сюда вообще, ну вот ВООБЩЕ не вписывается! Причем если вы не согласны, просто послушайте барабаны, то, как их сделали, вообще не в тему даже с самой вокальной линией (которая
тут тоже выбивается из темпа), они выбиваются и режут слух. Сюда подошла бы аранжировка, как на высокотемповых песнях (какой, собственно, и является "Sail Among the Dead"). Добавь сюда быстрые гитары и ударные, и всё сразу преобразуется. Вот представьте, если на старенькой "Turn to Stone" вместо крышесносного инструментала припева закинуть туц-туц, и слушайте на здоровье. А так, разочарование, и оценку снижаю с 11 до 9. Дальше идет "Stake My Claims", которая представляет из себя простой проходняк, и это всё что я могу про неё сказать. Под конец включается "Sword and Axe", очень крутая песня с замечательным припевом, пожалуй, одна из лучших на пластинке. Тоже недооцененная вещь, и очень зря. Замечательная симфоническая аранжировка на припеве, конечно, немного не хватает силы в вокале, но и без этого всё тоже очень круто. Завершает этот альбом символическая "1066". Именно в этом году закончилась эпоха викингов. Песня звучит, как завершающая предыдущий альбом "The Wicked and the Weak". Тоже хорошая вещь, идеально завершающая альбом, но её непонятно зачем выпускали синглом!
Я, конечно, может покажусь каким-то странным, что придираюсь к, казалось бы, пустякам, но извините, для меня это принципиально!
Альбом выдался очень годным, в этом направлении надо двигаться шведам! Пока что самый лучший релиз лета, и если вы не только любитель пауэра, но в добавку еще и фанат скандинавской мифологии, то пропускать этот диск, мягко говоря, глупо. Моя оценка: 9/10. Всем пока!

EchpochmakAlevtiny   1 дек 2023

После пары лет скандалов, препирательств, взаимных обвинений и тому подобных малоприятных событий, Оззи Осборн всё-таки покинул Black Sabbath, напоследок записав один из самых слабых альбомов группы - "Never Say Die".
Оззи еще что-то пробовал напеть на новом, находившемся в процессе сочинения материале, но у него совсем уж ничего не получалось. По слухам, это было то, что впоследствии превратилось в заглавный эпос "Heaven and Hell".
Тогда-то зловещая Круэлла Де Виль от мира менеджмента, еще-не-жена Оззи Шэрон Арден посоветовала взять на место её малахольного хахаля отставного вокалиста Rainbow - Ронни Джеймса Дио.
Дио не походил на предшественника ровно настолько, насколько это возможно. Начать с того, что мощный, красивый, классически поставленный (детская влюбленность в оперу и многочасовые занятия академической музыкой - правда, по классу духовых инструментов) голос Ронни был максимально далек от диковатой манеры Оззи.
А еще Дио был несколькими годами старше музыкантов своей новой команды, и вообще являл собой отчасти “сына маминой подруги”. Не склонный к бешеному “рок-н-ролльному” образу жизни, уверенный, знающий себе цену взрослый человек, компетентный, хоть и не выдающийся инструменталист, продюсер, опытный автор текстов и композитор. К своим без малого сорока годам Дио успел поучаствовать в создании величайших работ в истории хард-рока. Имелись у Ронни и недостатки, которые, согласно расхожей мудрости, продолжение наших достоинств. Жадность на деньги, диктаторские замашки, перфекционизм...
В общем, есть старинная мудрость, гласящая, что не стоит обращать внимание на всё, что сказано до слова “но”.
Каким бы клевым не был Ронни, он был человеком, который меньше всего подходил на роль “нового вокалиста Black Sabbath”. Дио это вам не Оззи, который пел по готовым риффам (иногда даже без нормального текста) простые вокальные “рыбы” со словами, взятыми с упаковки молока. То, что Ронни пел “поперек риффа”, это полбеды. Он еще и сочинял красивые, образные тексты, тяготевшие к пафосному фэнтези с некоей метафорической нагрузкой.
Странно как он вообще сработался с Саббат, где уволенный Оззи был, честно говоря, не единственным торчком и раззвездяем. Тем не менее Айомми, Батлер и Уорд приняли нового вокалиста. После ухода Осборна группу вообще сильно тряхнуло, на время уходил даже Батлер, который, правда, затем одумался и вернулся. В записи также принимал участие “запасной” Sabbath'овец Джеофф Николс, лидер прото-думеров Quartz. Сначала он должен был играть на басу, но в итоге остался клавишником.
"А как же те прекрасные пластинки, которые Ронни записал в составе группы?!" - возопит на этом месте читатель, буде он еще жив и способен следить за извивом моей мысли.
Альбом прекрасен, спору нет.
"Heaven and Hell" звучит мощно, ярко и отчетливо. Позади не только нарочитая лоу-файность ранних работ, но и витиеватость, эклектичность позднейших дисков, записанных с Оззи. Мартин Берч, один из знаковых продюсеров жанра, уже сотрудничал с Дио во времена Rainbow и нарулил нестареющий саунд такой классики, как "Rainbow Rising" и "Long Live Rock 'n' Roll".
Не подвел он и в этот раз. Перед нами хард-рок столь драйвовый и энергичный, что если бы не местами прощупывающаяся под всей этой тяжестью буги-блюзовая основа, то его уже можно было бы назвать истинным хэви-металом. Вообще, мастерство трио Айомми-Батлер-Уорд не подлежит ни малейшему сомнению. Но в этот раз новый продюсер и материал не дают им разгуляться, никакой “виртуозности ради виртуозности”. Гитарные соло красивы, барабаны и бас дают точную поддержку и нешуточную тяжесть, клавиши добавляют ярких красок. Но никаких закольцованных инструментальных эпизодов, под которые положено “зависать”. Только песни, только хиты!
"Neon Knights", построенная вокруг грохочущего гитарного риффа, врывается на большой скорости, и как говорится, пленных не берет. Мощный голос Ронни, находившегося едва ли на пике своих физических возможностей, захватывает внимание сразу же.
Торжественная, без нарочитой “неоклассичности”, но явно выросшая на прочном фундаменте старинной музыки, "Children of the Sea" демонстрирует не только умение Дио сочинять влет запоминающиеся вокальные мелодии, но и мгновенно переходить от лирического фальцета к его фирменной, грозной, рокочущей манере пения.
"Lady Evil" как будто залетела в трек-лист со второго альбома Rainbow, напоминая такие ритмичные боевики, как "Starstruck" или "Tarot Woman".
Заглавная "Heaven and Hell" более-менее демонстрирует то, что в конце десятилетия начнет оформляться в эпический дум-метал, но без занудства. Зато с запоминающейся мелодией, которую можно напеть даже при околонулевом слухе, и неким “средневековым” духом, который таится не только в лирике, но и в гитарных соло.
"Wishing Well" не столь знаменитая песня, но она ничуть не слабее остальных, просто другая, опять же наводящая на мысль о временах Rainbow.
Скоростная, боевитая "Die Young" содержит “внутри” небольшой лирический фрагмент с нежным фальцетным пением, тогда как по большей части просто сваи вколачивает.
"Walk Away" напоминает времена даже не Rainbow, а Elf - вещица полегче и порок-н-ролльнее остального материала, но такая же хитовая.
Под занавес альбома идет "Lonely Is the Word" - единственная композиция, к которой можно притянуть определение “баллада”, красивая и печальная.
Здесь читатель, доживший до этого абзаца, может опять же спросить, а к чему вообще были все первоначальные рассуждения о том, что Дио не подходит Sabbath? Мол, стоило ли заявлять такую заведомую ахинею, только чтобы потом заливаться соловьем, расхваливая песни, которые все (кому нужно) и так помнят.
Такому читателю я загадаю загадку.
Будь в реальности возможность отыскать на просторах планеты человека, который интересуется тяжелой музыкой, но при этом ничего не знает об истории рока (в наши дни такое невозможно, а вот в доинтернетную эпоху, да за Железным занавесом - вполне), и включить ему "Heaven and Hell", назовет ли он услышанное альбомом Black Sabbath?
Да, вы поняли к чему я клоню.
Влияние Дио столь велико, что хотя авторами числятся все участники того состава - Дио, Айомми, Батлер и Уорд, создается впечатление, что Ронни записал сольный альбом, задействовав для этого музыкантов одной известной, но находившейся в глубочайшем кризисе группы.
Я понимаю, что не вполне прав с фактической стороны, что сова маловата, а глобус великоват. Но от ощущения никуда не деться.
"Heaven and Hell" - альбом прекрасный, стопроцентная классика. Но к группе Black Sabbath, существовавшей в 1968-78 годах, эта коллаборация почти не имеет отношения, несмотря на 3\4 общий состав.

Mike Barlow   1 дек 2023

“Синдром утенка” - могучая штука, от которой почти ни у кого не получается избавиться. Так вышло, что "Born Again" был одним из первых (в числе приблизительно десятка) “тяжелых” альбомов, услышанных мной в жизни.
Времена были патриархальные, скачать за пять минут целую дискографию нечего было и мечтать. Зато была кассета TDK, и за уже забытую за давностью лет сумму денег можно было записать что-то из списка, распечатанного в формате А-4 и подшитого в замусоленный до неразличимости первоначального цвета скоросшиватель.
С Black Sаbbath я уже был знаком по самопальному виниловому сборнику из “архива Юрия Шалобасова”, да и краеугольные для жанра пластинки Deep Purple слышал неоднократно. Так что любопытство заставило обратить внимание на совместные альбомы Sabbath и вокалистов Purple. Потому на кассету легли “Born Again” и “Seventh Star”. Я, конечно, согласен, что, учитывая год, в который происходили описываемые события, логично было бы записать "Black Album" и "Rust in Peace", "Cowboys from Hell" и "Coma of Souls", "Nevermind" и "Ten", или, что наиболее вероятно, обе части "Use Your Illusion". Но я рано взял себе имидж консерватора-олдскульщика, считающего, что “раньше было лучше”. Смайл.
Вся эта лирика нужна была по большей части для того, чтобы сообщить почтеннейшей публике, что “синдром утенка” работает не всегда. С "Born Again" что-то непоправимо не так, и никакой нежный возраст, в котором альбом был услышан, никакое свойственное отрочеству почтение к “отцам”, не помогли.
Даже отсутствие приличной аппаратуры и кассетная перезапись ничего не смогли сделать со звуком, одновременно непомерно громким и пустым, с задранными верхами и выставленным куда-то в авангард вокалом. Более того, ничего с этим не смогли поделать и сорок лет переизданий, ремастеров и ремиксов. "Born Again" звучит варварски плохо.
Жанр рецензии в общем-то не предназначен для пересказа истории группы. Но всяк автор норовит ввернуть что-то остроумное из архивов обозреваемой команды. Так вот, музыканты дружно утверждали, что изначально не собирались работать как Black Sabbath, а планировали записываться под вывеской типа Gillan-Iommi-Butler. Но как известно, альбомы продает название, потому по настоянию менеджера "Born Again" стал не неким сайд-проектом, а новым диском Sabbath. Не слишком оригинальная история, учитывая последующую катавасию с "Seventh Star". Но всё-таки не дотягивает до той, где к проекту The Circus Maximus Марка Шелтона вообще уже на стадии печати буклета прилепили (неподходящим шрифтом) название Manilla Road, под которым Марк выпускать тот материал не собирался.
Гиллан чуть ли не в последний раз предстает перед публикой в хорошей, безо всяких скидок на возраст и заслуги, форме. И будто чувствуя это, наполняет альбом такими криками, визгами и хрипами, что они уже выходят за чувство меры и вкуса.
Одна из многочисленных баек, связанных с группой, гласит, что Ронни Дио из рядов Саббат выгнали за то, что он, занимаясь миксом "Live Evil", слишком завышал свой голос.
К моменту сотрудничества с Гилланом, Айомми, Батлеру и страдающему, а уже не наслаждающемуся алкоголизмом Уорду, видимо, стало плевать на всё и вся, и они предоставили продюсирование вокалисту, который сделал ровно то, за что Дио якобы указали на дверь. Сам Гиллан железно мотивировал местное сведение - мол, приглушил бас, чтобы тот не слишком гудел, да прибрал гитару, чтобы не рыкала. На что “шабашники” выпали в осадок, но что-то делать было уже поздно. И вообще, а нечего было бросать микширование на самотек!
Что же до самого материала альбома, то его нельзя назвать действительно слабым. Но с Саббат получившаяся музыка опять не имеет почти ничего общего. Разве что микроскопические инструменталы "The Dark" и "Stonehenge" напоминают о схожих номерах на старых пластинках.
Хотя авторами песен числятся все участники записи, можно сказать (лишь немного погрешив против истины), что Гиллан записал очередной диск группы Gillan при помощи инструментального состава Black Sabbath.
Что разогнанный до турбо-скоростей рок-н-ролл "Trashed", что блюзоватая баллада "Keep It Warm" легко представимы на альбомах Gillan начала восьмидесятых. Учитывая, что посвящены они гонкам и постельным утехам соответственно, сходство становится совсем уж “до степени неразличения”. Угрюмая, то взрывающаяся быстрыми кусками, то распевная "Disturbing the Priest", тягучая "Zero the Hero" и свирепая "Digital Bitch" (посвященная, по слухам, всенародной любимице Шэрон Осборн) чуть более “саббатовские”, давящие и мрачные.
Лучшая песня альбома на мой невзыскательный вкус - заглавная "Born Again". Медленная, но слишком тяжелая и пафосная, чтобы быть “балладой”, она скорее наследует эпическим композициям, до которых был так охоч предыдущий вокалист Sabbath. Хотя продолжительность в шесть с копейками минут трудно назвать “грандиозной”, всё же "Born Again" успевает нагнать атмосферы.
Зато "Hot Line" прилетела откуда-то из архивов Deep Purple.
При всем плохом, что сказано о звуке, ничего плохого нельзя сказать о профессиональных компетенциях музыкантов. Да и энергетики в записи хватает. Всё-таки новый певец взбодрил коллег.
В общем, альбом оказался подобен тосту из затертой застольной шутки - короткий (сорок одна минута) и мощный, как выстрел.
Также диск украсила обложка, которую модно ненавидеть, но непонятно, что плохого в новорожденном алом дьяволенке, это же Black Sabbath, черт их дери, а не Eagles какие-нибудь.
Но стилевая чересполосица, своеобразный микс и Гиллан во главе с шашкой наголо - всё это как-то не способствует восприятию альбома как цельного произведения. И как альбома Black Sabbath тем более.
При всем при том “Born Again” оказался коммерчески успешен и удостоился похвалы от самого Оззи, который обычно не слишком доброжелателен к своим сменщикам.
Начавшееся турне сопровождалось бесчисленными приключениями в духе Spinal Tap, да и при всей мощи глотки Гиллана, его исполнение “Black Sabbath” или “Heaven and Hell” очень хорошо описывается модным словечком “кринж”.
Так что очень скоро пути музыкантов и неуемного вокалиста разошлись. В отличие от других “разводов”, какого-то сильного негатива между Гилланом и Айомми не случилось, и в будущем они еще будут сотрудничать.
А "Born Again" остался наособицу, не только как единственный альбом Purple Sabbath, но и как некая нетипичная для группы загогулина.
Также поклонникам “короля риффов” остается только гадать, что вышло бы, если бы ему удалось заманить в студию Планта, а не Гиллана. Были тогда у Айомми такие планы.

Mike Barlow   1 дек 2023

Шестой альбом за пять лет - неслабый такой (впрочем, обычный для времен молодости рока) результат. Некоторое истощение моральных и физических сил группы, а также усталость от успевших стать клише собственных приемов, становятся заметны (напишу страшное) уже на "Sabbath Bloody Sabbath". К "Sabotage" Айомми и компания подошли с еще более очевидным настроем “сделать что-то такое, чего мы раньше не делали” и в состоянии назревающего внутри группы конфликта между гитаристом-который-всё-тащит-на-себе и вокалистом-на-котором-весь-успех-держится. Ко всему прочему, Sabbath тогда конфликтовали с менеджментом, что нашло отражение даже в текстах.
Однако эта “предкризисная” атмосфера ощущается больше задним числом. В режиме же реального времени альбом скорее воспринимался как развитие и следующий шаг в сторону более виртуозной (в сравнении с сырым угрюмым рокотом ранних работ группы) и более агрессивной (в сравнении с зааранжированным, перекрученным "Sabbath Bloody Sabbath") музыки.
Несомненно, "Sabotage" более прямолинейный и “боевой”, нежели его предшественник, хотя и несет на себе отпечаток прогрессивных устремлений "Bloody Sabbath". Клавишные Джеральда Вудроффа, который был без пяти минут постоянным участником группы, играют значительную роль в создании саунда на пластинке, но это не ориентированный на клавишные альбом. Это тяжелый альбом с клавишными аранжировками.
"Sabbath Bloody Sabbath" был удачным в творческом и коммерческом отношении, но Айомми говорит, что музыканты совершенно сознательно не пошли дальше по тому же пути. Осборн привычно противоречит товарищу, утверждая, что запись "Sabotage" была мучительной именно из-за “студийного перфекционизма” гитариста. Батлер же состояние группы на момент записи "Sabotage" определяет, как “обдолбаннные и задолбавшиеся”.
Все эти разборки и воспоминания о самочувствии и настроении едва ли не полувековой давности интересны не только любителям подробностей из закулисья. Они скорее демонстрируют, что вдохновение может прийти когда его совсем не ждешь.
Все вышеописанные проблемы не помешали Sabbath создать великий, монументальный альбом.
"Sabotage" - тяжелому, злобному, но при этом не лишенному экспериментальной жилки, предыстория совершенно не повредила. Он не то чтобы идеален от первой до последней ноты. Но он целен и целеустремлен, несмотря на некоторую стилистическую чересполосицу. Сдвиг привычных границ, выход за флажки и заплыв за буйки всегда был фишкой Black Sabbath. На любом их альбоме классической эры есть композиции, которые выбиваются из общего ряда. Эта смелость первопроходцев, нежелание соответствовать придуманным критикой и фэнами категориям, вообще характерны для групп той поры, когда сцена еще не разделилась на десятки замкнутых субкультур, внутри каждой из которых есть четкие критерии звучания, оформления обложек и внешнего вида музыкантов.
Sabbath, хотя и являются отцами-основателями doom-сцены, сами на верность идеалам trad-doom не присягали, оставив это командам вроде Count Raven. Они изобретали жанр и шли дальше - изобретать следующий.
"Sabotage" стартует с одного из самых могучих хитов группы, свирепого боевика "Hole in the Sky", который надолго осел в концертных сет-листах и знаменует собой очередную трансформацию коллектива. Если на предыдущем альбоме Sabbath буквально, грянувшись оземь тягучими думстерами, восстали преображенные в замысловатых проггеров, то сейчас перед нами полновесный металл безо всех этих приставок типа “proto”. Конечно, в рамках 1975 года, но тем не менее, столь тяжело, бескомпромиссно и злобно на “большой сцене” тогда никто не играл. Закольцованный гитарный рифф, какие умеет изобретать только Тони, в этот раз основательно разогнан в скоростях, ритм-секция рубит с мощью сваезабивочной машины, Осборн же вовсе взвинтил свой и без того экспрессивный вокал до откровенного крика (scream, ага).
Краткая акустика "Don't Start (Too Late)" и альбом продолжается "Symptom of the Universe", столь же мощным хитом, как "Hole in the Sky", столь же любимым металлистами последующих поколений в качестве кавер-версии, которая, будучи помещенной бонусом, делает осмысленным делом приобретение всего диска.
Почти десятиминутная "Megalomania" - колыбель прогрессивного металла, в которой перемешаны тяжесть и навязчивая виртуозность игры, эпик с неоднократно меняющимися в ходе развития темпом и настроением, и запутанной мистической лирикой, которую Гизер сочинил под влиянием наркотического прихода, а Оззи спел, только что откинувшись из психушки.
Мрак и безумие - ключевые темы альбома, а о безумии Sabbath к тому времени знали больше, чем хотелось бы. Но то, что калечит личную жизнь, иногда неплохо конвертируется в творчество.
"The Thrill of It All" - тоже непростая, можно сказать, “навороченная” композиция, отличающаяся странными, бравурными эпизодами, и понятное дело, не ставшая постоянным гостем ни на концертах, ни на бесчисленных сборниках из разряда “The Best of Black Sabbath 1970-1978”.
Симфонический "Supertzar" служит скорее для отдыха и, откровенно говоря, мне не кажется таким уж идеальным сочетание того, что делает хор, и того, что делают Black Sabbath. Но как минимум - смелый эксперимент.
"Am I Going Insane (Radio)" - очень странный, совершенно не канонический трэк, всё же ставший популярным. Песня, по словам Уорда, должна была стать первой ласточкой в сольной карьере Оззи, который в процессе сочинения всех замучил своими синтезаторными экзерсисами. Это еще и значит, что Оз некогда собирался играть совсем другую музыку, а вовсе не прославивший его “продюсерский” хард-н-хэви в окружении бывших/будущих юрай-хипповцев. "Am I Going Insane" представляет собой “вывихнутую” поп-психоделику из конца шестидесятых, сыгранную почти без саббатовской тяжести. Осборн поет, а также хохочет и завывает так, что в его поехавшей (и отнюдь не в рамках вживания в образ) крыше не сомневаешься совершенно.
Венчает альбом "The Writ" - еще один сложный, затяжной номер, демонстрирующий проговую сторону коллектива. Балладные эпизоды варьируются с динамичными, тяжелый рок перемежается со странными синтезаторными созвучиями, которые извлекает из Moog'а вокалист, безумные смешки - со струнными аранжировками.
Содержащий две песни, каждой из которых хватит на замену целой дискографии группы средней руки, два убийственных хита, без которых тяжелая сцена была бы совершенно другой ("Hole in the Sky" и "Symptom of the Universe"), "Sabotage" может именоваться последним классическим альбомом Sabbath. После него раздрай, царящий в группе, увы, стал переходить из категории личных взаимоотношений в творческую плоскость.

Mike Barlow   1 дек 2023

Кавера были всегда. И интерес к ним тоже. Рассматривая историю Хэви-Метал и Хард-Рока, можно сказать о любой группе родоначальников жанра (и не только), что музыканты играли сначала кавера, тренировались, так сказать, на зарекомендовавших себя песнях, уже получивших свое признание публики. И это логично.
Более близкая к нам волна трэшеров включала в свои альбомы какие-то крутые вещи предшественников - рокеров и даже панков. Это я вспомнил Megadeth и Anthrax, к примеру.
Множество металлистов исполняли самые разные кавер-версии, а потом иногда даже собирали их в целые альбомы.
Вот скоро выйдет альбом DIMMU BORGIR с каверами, в 2022 году выходил мощнейщий сборник российских металлистов AGE OF RAGE, и вот выпущен диск SLICE OF SORROW.
Атмосферная мелодик дэт-метал группа из Москвы подготовила 14 кавер-версий композиций, которые мало кого из металлистов оставят равнодушными. И самое главное - здесь есть тактический выбор: слушать всё подряд (ДА!) или выбрать лакомые кусочки - для каждого меломана, само собой, разные. Начиная от Готик-Рока через Хэви-Метал и Глэм к Дэту. Чуть Русский Рок не забыл и Хэви.
Так что вперед, с криками ура! Прослушано в лучшем качестве.

01 - "Be Quick or Be Dead" [Iron Maiden cover]. Логично ли начать с Iron Maiden? Я думаю - да. Тем более с этой песни легендарных металлистов. Сделано всё крепко, рубильно и с настоящей долей дэт-металлического озлобления. При этом трэк приобрел некие черты адского хардкорового MDM. Гитары? Солидно, мастерски и согласно плану. Итог? Be Quick!

02 - "Harvester of Sorrow" [Metallica cover]. Ну это ж классика - матерая и основательная, от которой пробирает до мурашек целое поколение или полтора. Удалось ли накидать мурашек Slice of Sorrow? В значительной мере. А вы согласны с тезисом, что если Metallica сумасшедше делает кавер "Whiskey in the Jar", то и те, кто делает кавер на М. должны стараться добиваться большИх результатов?

03 - "Roswell 47" [Hypocrisy cover]. Бесконечно актуальная вещь, особенно после недавно вышедшего крутейшего фильма ужасов «Никто тебя не спасет». А здесь показан факт того, что лидер коллектива Hypocrisy Peter Tagtgren тоже и продюсер сам себе, и он сработал на баллы поболее. А в этом дэтово-атмосферном трэке звук очень важен. Потому что атмосфера в этой композиции - это состояние страха.

04 - "Rock the Night" [Europe cover]. Ну конечно, все бы хотели "The Final Countdown", но что поделаешь, "Rock the Night" тоже рулит. В особом ключе, в том ключе, которым открывают свои музыкальные двери виновники торжества SLICE OF SORROW. Бодрячком и аккуратно сделали кавер, приятно разнообразив свою пластинку глэм-метальными запилами да соляками и вокальными приемами.

05 - "Metal" [Gary Numan cover]. Крестный отец современной электронной музыки сделал так много для развития жанра, что его трэки откаверены бесчисленное количество раз, включая Трента Резнора и Nine Inch Nails, Marilyn Manson, Dead Weather, Fear Factory. Свою лепту решили внести и SLICE OF SORROW. О, ну это как раз команда двигается по дорожке разнообразия. Довольно-таки вовремя. Gary Numan заматерел, оброс стальными гранями, не заржавел, ибо весь покрыт никелем. А мне кажется, поле для творческого эксперимента и аранжировки там было раскрыто еще шире.

06 - "Youth Gone Wild" [Skid Row cover]. Классным риффами славились Skid Row, за что уважаем мы эту группу, её угарное творчество, которое не обходилось без крика и ора - на концертах. Ну а здесь в исполнении SLICE OF SORROW отмечаем аккуратность исполнения и жесткий вокал, которому, кажется, покорны все стили и виды пения. А Элвиса слабо?

07 - "Psycho Killer" [Talking Heads cover]. Американские нововолновые рокеры - тоже цель для толковой кавер-версии. А вот эта версия из параллельного мира более крута. Отчего? Да скорее всего, что она более музыкально заполнена в каждую секунду трэка и рок-н-ролльно исполнена. Интересно, что первоисточник слушается после кавера настолько смиренно, что просто смех разбирает. Вот это и называется «понять и поДнять кавер на высоту»! \m/

08 - "Скованные одной цепью" [Наутилус Помпилиус cover]. Специфическое и неоднозначное. Весьма круто SLICE OF SORROW делает эту композицию, сохраняя отрешенность и темную магию Нау, привнося стальные мышцы. Вот эта наивная гитра на 2:07 также цепляет. Удача! Классный саунд.

09 - "Live Wire" [Motley Crue cover]. Вот вам и возвращение в мир металла. С ликующим риффом MC и четким ударным поездом. Вокально исполнитель, мне кажется, неплохо проникся духом, и что парадоксально - в оригинале вокалист Vince Neil поет более беззаботно, разгильдяйски, а в кавере всё происходит гораздо более драматично! Но тут дело и в саунде.

10 - "Take Me" [KISS cover]. Интрига-интрига! Сможет ли SLICE OF SORROW преподать урок в стиле Kiss? Надо пробовать. Что-то получилось, а что-то, может быть, и нет. На то и кавер, который делается во славу Великих. И еще - мне кажется, что здесь в трэке аранжировка передавила горло самой песне. Но это только мое личное мнение, каждый решит сам.

11 - "Dive" [Nirvana cover]. Гранжеры провозглашали Black Sabbath своим гениальным предшественником. И этот трэк достаточно мрачный, депрессивный в оригинале. Говорят, что Courtney Love как-то сказала: "It's my favorite Nirvana song. It's so sexy". В кавере он стал просто громадным, катящимся камнем, который вдавливает фигурки на шахматном поле войны в сырую землю по макушку. И BlackSabbath'ность гранжа вышла вдруг в самом отчетливом виде, хотя и в быстром темпе и зверо-оскале. Хотели того музыканты SLICE OF SORROW или нет, неизвестно.

12 - "Следуй за мной" [Ария cover]. Ну с этой классикой каждый русский металлист разберется сам... Овации, переходящие в аплодисменты.

13 - "Lucretia My Reflection" [The Sisters of Mercy cover] Настоящий культ новой волны. Тут делай любую вещь с альбома "Floodland" - не ошибешься. «Попробуйте только сделать плохо», - подумал я про себя, когда начался тотальный отсчет ударника. И это классика также - «наши долго запрягают, зато потом быстро едут». Волшебно. Низам дайте дорогу. Оккультная сила названного трэка ждала, мне кажется, этого кавера, дабы выползти в мареве концертного дыма и прополоскать мозги тысячам и тысячам фэнов.

14 - "Sleeping (In the Fire)" [W.A.S.P. Cover]. Финальный аккорд разве должен быть таким шедевральным? А почему бы и нет? С довольно-таки мрачной и драматической вокальной линией, массивным риффингом и словно разворачивающимся занавесом, который покажет и прихотливую струнную работу, и тяжелые переживания главного героя, и еще окажется, что "Lucifer's magic that makes you numb" всё-таки работает.

* * *

По итогу могу добавить: SLICE OF SORROW, исполняя эти песни, подстраивались ПОД СЕБЯ, а не наоборот, как делают некоторые музыканты. Прямая копировка - вещь бессмысленная, особенно в творчестве. Особенно у музыкантов, которые имеют свой взгляд на вещи.

resurgamresponses  28 ноя 2023

Wombbath - группа, нежданно-негаданно, не из Стокгольма, а из города Сала в восточной части страны. Вложившись в дебютник, команда не стала далеко заглядывать, а насочиняла вполне обыкновенного дэта под категорию "недорого и очень сердито". Оценивая труд, вложенный в данную работу, стоит отметить в "хорошем" смысле отвратную обложку за авторством художника SV Bell'a. Наблюдая за застывшим ликом измученных душ, окунаемся в мир данного полноформатника.

Первое, что бросается в глаза - саунд. Он куда больше смахивает на творчество Benediction или Napalm Death того периода, нежели на нарочито искажённый, бульдозерный звук, за счёт которого шведо-дэт и прославился. Хотя музыкально здесь также заметно много влияния от таких групп, как Benediction и Malevolent Creation. Возможно, именно нехваткой резкости в звукоизвлечении и общим саундом объясняется ускользание тех самых шведских элементов. Игра на инструментах держится вполне стойко, но кое-где заметны проседания интенсивности гитар. Соляки Хокана Стувемарка расположены в большинстве своём на второй стороне альбома, тогда когда на А-сайде он погостил лишь на не самом примечательном вступлении. Они весьма атмосферные, кое-где замечен энергичный шреддинг; в целом напоминает манеру Бломквиста из тех же Dismember. Но всё же нехватка энергии у основной части гитарных партий вскоре сводит их эффект на нет. Не в пример гитаре, игру на барабанах от Роджера Энстедта я не могу назвать интересной, а филлы и сбивки, в особенности набор ударов по главному барабану ближе к концу титульной песни, звучат несколько... дилетантски? Этот аспект меня разочаровал. Впрочем, и трусливый звук бас-гитары оставляет не самое лучшее впечатление, но он не так заметен, как до одури примитивные партии ударных. Риффинг не заходит за грани стиля, о чём я уже упоминал: тут всё ортодоксально. Вокал Томаса Линдфорса здесь также достаточно непримечателен, но он не только слушабелен без скрежета в зубах, но и является относительным плюсом пластинки. Эдакий Барнс эпохи "The Bleeding" на минималках. Из треков отмечу титульник, и разве что ещё относительно быструю "As SIlent as the Grave", и "Corporal Punishment" в довесок. А вот трек "Abandon" считаю абсолютно лишним полу-семплом. Также заметил, что в последнем треке характер звука несколько меняется. Ошибка сведения или недосмотр подготовителей переиздания - неизвестно.

Главный диагноз этого альбома - это недостаток той первобытной энергии, которую в альбоме не выходит уловить. В итоге, смешав неторопливый звук Benediction и основные веяния местной шведской моды, Wombbath не поймали ни одного из двух зайцев. Хотя иметь стереотипы (особенно касаемо музыки) - привычка дурная, "Internal Caustic Torments" не держит марку именно стереотипичного шведо-дэта, выдавая несколько не то, на что слушатель рассчитывает, при этом альтернативный материал не является затягивающим. Да, это далеко не самый толковый и интересный релиз сцены, но, будем честны, и не самый скучный. Условная шестерочка - но в большее для Wombbath я не верю.

IJzerklompje  23 ноя 2023

Трио DANKO JONES, названное по имени своего вокалиста и гитариста, исполняет свой припанкованный хард-рок с середины 90-х, но у нас этот проект всегда были в тени, несмотря на то, что группа выступала в Москве и Санкт-Петербурге на разогреве у Guns N' Roses в 2010 году, и имела несколько выпущенных в последние годы лицензионных релизов. DANKO JONES начали свою карьеру на канадской рок-сцене, выдав свой дебютный альбом "My Love is Bold" в 1999 году. С третьим диском "We Sweat Blood" музыканты поймали удачу за хвост у себя на родине. Прошло больше двадцати лет, и DANKO JONES по-прежнему входят в число тяжеловесов хард-рок сцены, особенно большим успехом пользуясь все же не в Северной Америке, а в Европе, в странах типа Германии и Швеции. В сентябре они вернулись с новым студийным альбомом "Electric Sounds", который стал следующим после вышедшего в 2021 году "Power Trio".

"Electric Sounds" - типический альбом DANKO JONES, разве что более оптимистичный и динамичный. «Guess Who’s Back» — идеальная ударная открывашка длиной менее трех минут, размеренный и ритмичный трек, типичный для Данко, с припевом-кричалкой в духе Offspring. Далее следует "Good Time", пожалуй, самая сильная песня из трек-листа альбома, а то и из всего творческого багажа группы. Это запоминающийся, жизнерадостный номер с панк-гитарами и мощным, суровым вокалом Джонса. В общем, незнакомым с музыкой этого трио стоит начать именно с этой песни, и, если не зайдет, значит, не судьба. В общем, крепкий хард-рок-трек.

Дабы не расписывать все песни, тем более, что альбом достаточно монолитен в своем звучании и подчинен общему настрою, отмечу несколько из них. Это, безусловно, заглавный трек альбома, достаточно быстрый и с тяжелыми гитарами. В записи принимал участие Даниэль Декей из канадских трэш-легенд Exciter. Также веселенький и довольно простенький “Get High?” легко западает в душу. Еще одна яркая песня - "She's My Baby", в которой поучаствовал соотечественник Джонса Тайлер Стюарт из Barenaked Ladies. Но она, на мой взгляд, скорее панковская, чем хардроковая. Ближе к панку и "What Goes around», очень крутой и захватывающий трек, жаль, что его засунули практически в конец альбома. В целом, песни звучат в одном ключе – это более среднетемповые или скорее более быстрые, но неизменно энергичные треки с тяжелыми гитарами, с небольшими но клевыми соляками и хрипловатым вокалом. Баллад нет.

В общем, "Electric Sounds" – достаточно простой по подаче, довольно жизнерадостный, немного грязноватый, но все же достаточно четко выверенный по звучанию и настроению. Если нравится харда с панком, гаражный рок и более легкая подача, данный опыс можно попробовать послушать. Также отмечу, что Данко Джонс известен читателям Дарксайда в качестве рок-журналиста. У него даже есть свой регулярный подкаст, в котором Данко высказывает свое ИМХО о событиях в мире рока и металла и попадает в нашу новостную ленту. В общем, местный Юрий Лоза, только посерьезнее…

The Sinner  22 ноя 2023

Melodic Death / Progressive Metal / Metalcore - крутая такая бомбическая сцепка, притом спродюсированная по звуку на этом альбоме на очень большие баллы. Специально проверил - в альбоме Gone Are the Days 2022 года тоже очень хороший звук. Будто я подумал, что раньше звук похуже был. Ну невозможно же быть красивым таким всё время...
Раньше был шок и полный капец, культурно выражаясь, от представленного музла GONE ARE THE DAYS, сейчас то же самое. На новом уровне, само собой. И да, то было год назад, сегодня новое потрясение.
Из простых вопросов. Вот есть коммутация - Melodic Death / Progressive Metal / Metalcore - и что более в итоге перевешивает? Вижу так: два первых тэга превалируют, но металкор как бы поддался и, присутствуя здесь в немалых количествах золотого, идеально обработанного -core, сдал все прелести, все самые забойные свои запчасти двум первым дефинициям. Можно сказать, что и разоружился. НО... все вот эти металкоровые драгоценности сыграли в итоговом миксе, обозначенные, упрямо злодейские.
Правда интро, вот это на две с половиной минуты, сбило с толку (и далее надо чередовать группе GONE ARE THE DAYS такие вещи со своим изуверским прогрессивом и MDM). Дело в том, что первый трэк - это прелестная атмосферно-академическая игрушка, которую надо слушать на супер-дорогих колонках, и она принадлежит миру мертвых DOOM Metal. Располагая такую вещь на старте диска, команда как будто подписала себе какой-то странный приговор.
Который разбивается в клочья-дребезги элегантно скачущим трэком "Assault Course" - прогрессивно-безумным, на три-четыре вокала - удаляющимся стремительно за горизонт и, что характерно, утаскивающим за собой офигевшего слушателя. С этим, свободного кроя MDM, расширительно беззаботным в стилистике, как какая-нибудь наработка классического мастера. И здесь скажу: хороший, как минимум средний аппарат для прослушивания GONE ARE THE DAYS рекомендуется, и колоночки - чтобы полыхало из них по низким частотам.
Тут уж трэк «Burnout» звучит, где два экстрим-вокала - низкий и высокий - кажется, запытают чистый вокал. Ну что ж поделать, не мы такие, а времена тяжелые. И вновь, и далее многослойность звука - очень сложная и драматическая. Сразу же подумалось, что композер мудро и вовремя остановил бег своей фантазии на том количестве составных частей, которые способен воспринимать человечий разум. А то запросто мог бы еще пару подкинуть. Такое бывает. И атмосфера вложена сюда соответствующая...
В данном случае мне не достался буклет и предполагаю, что в записи этого альбома GONE ARE THE DAYS участвовало тоже 4 вокалиста - как в прошлом. Но варианты, как вы понимаете сами, всё-таки есть. При нынешнем бурном развитии металлического движа в стране.
И что-то мне трэк "Imbalance" приглянулся каким-то неземным очарованием и Дум-Дэтовым началом, а потом речитативом с какого-то неведомого смысла. А внутри расположились хоровые темы, которые с течением времени стали слегка походить на фолк-хоровую нордическую традицию, возможно норвежскую - с высокими голосами. На всякий пожарный случай это подпалили харш-вокалом. Ну, как бы чего не вышло...
Что тоже характерно, вроде трэки и не мелкие, а всё каждый раз думаешь, что-то коротковато сделали, хочется продолжения банкета. Тоже знаете, дар божий - вовремя остановиться.
Этот альбом GONE ARE THE DAYS состоит из двух частей - во второй расположены инструментальные трэки, она более адресована музыкантам, мне так кажется, потому что феерия вокалов здесь не отвлекает от инструментальной фантасмагории. (Ну вот, слово это произнес в уме, и сразу же Annihilator вспомнился). Так что инструменталы можно послушать и меломанам, там есть что лицезреть, от чего кайфануть.

resurgamresponses  20 ноя 2023

В 1994 году вышел великий, непревзойдённый "Immense Intense Suspense" от нидерландской авангард-дэт-группы Phlebotomized. Для многих, как и для меня, он стал откровением, шоком, музыкальным шедевром, перевернувшим видение всей музыки. Хотя в целом выпуск диска не был коммерческим успехом, коллектив получил свою долю похвалы и внимания, которой, однако, оказалась недостаточно, чтобы кто-либо выкупил у группы контракт с локальным лейблом Cyber Music - из-за хитросплетений в договоре музыкантам пришлось остаться на лейбле без какой-то значительной поддержки. Альбом "Skycontact" записывался уже по сути распадающейся группой: сначала ушел скрипач Мартен Пост, затем гитарист (и в будущем один из самых известных... шеф-поваров Нидерландов) Йорди Миддельбосх объявил о том, что допишет альбом и уйдёт. Вшестером они отправились в Бовенкарспел записывать пластинку. Вскоре после сессий состав покинул и сменивший основателя Патрика ван дер Зее басист/скрипач Яро Штулрайтер. Звуком заведует мастер своего дела Хан Свагерман-старший, и планка качества фирменного Beaufort-саунда тут вновь на высоте. Однако у его работ есть извечный бич - чистый или низкий вокал бывает слишком тихим в общем миксе, что для меня составляло единственный минус предыдущего лонгплея.

Музыкально Phlebotomized тоже резко сменили вектор. Хотя группа и видела свет в конце тоннеля, это не ощущается беглой попыткой издать какие-то сырые наработки, а совсем наоборот, всё чувствуется как музыкальное заявление, посягательство на уже непосильное. Всё больше элементов дэт-метала улетучивались, а заменялись более фривольными и арт-роковыми по природе формами, в целом музыка "расслабилась", обычный термин "полегчала" здесь не подходит полностью. А связано это с тем, что музыкальное лидерство на этот раз взял на себя барабанщик Лоурэнс Пэйн, который сильно устал от дэта и дума, и вносил большое количество разноплановых, но куда более мягких музыкальных идей. Никто сопротивляться не стал, поскольку "они всё еще считали, что это тяжело и мощно", как признавался Том Палмс. Он здесь отметился как главный сонграйтер лишь на инструментале "Sometimes", написанным под впечатлением от стихотворения отца гитариста, представленного в буклете. Этот мягкий инструментал развивается не спеша, затягивая медленно, но верно. Бас Штулрайтера наигрывает монотонную линию, а клавишные создают достаточно мечтательную атмосферу. Барабаны Лоуренса Пэйна достаточно динамичны, но кажутся несколько прямолинейными, вероятно, чуть больше смелости в партиях улучшили бы восприятие альбома. Или, возможно, я слишком привык к молотильным паттернам, выскакивавшим на "Immense Intense Suspense". Гитары звучат в целом ещё тяжело, но эта тяжесть не совсем дэтовая, она скорее отсылает к более мелодичным жанрам. Вокал Денниса Гестмана перестал быть глубоким гроулом, теперь он немного похож на пение Матти Кярки из Dismember. Чистый вокал Пэйна звучит ещё лучше и чётче, чем на том же альбоме Obtruncation. Из более тяжелых хитов мне по душе вступительный "StoleShowSoul", который понравился с первого раза, хотя смысл семплов мне так и остался неясен. "I Lost My Cookies in the Disco" - трек с чудаковатым названием, похоже, является наиболее дэтовым здесь, даже с бластбитом и хриплым гроулом. Также в нём есть очень хороший грувовый рифф ближе к середине. Центральной песней "Skycontact" является грандиозная "I Hope You Know" - самый длинный трек в дискографии Флебов, разделённый на 4 части. Если "A Cry in July" представляет собой симбиоз грувовых дэт-частей и грустноватой интерлюдии в стиле арт-рок-мастеров между ними, то следующая секция будет посвящена больше переживаниям лирического героя, которого, судя по сильно метафоризированному тексту, терзает чувство вины, которое он почему-то не может успокоить. Третья часть "Imagine This" является быстро развивающимся треком с нотками дэтовой ритмики, а вот реприза первой части в виде "Out to You", которую своим природно низким голосом протягивает Пэйн, хоть и не так пробивает на эмоции, как "Gone..." на предыдущем полноформатнике, но всё же является красивым и уместным завершением альбома. Стоит отметить, что скрипки здесь уже меньше - хотя на "Immense Intense Suspense" она играла для меня порой решающую роль, на "Skycontact", я думаю, её ровно столько, сколько требуется. На диске также есть "нулевой трек" на 444 секунды "Dizz-tance", спрятанный как дорожка 0 в самом CD, что не дало пиратским версиям (включая ту, по которую альбом все знают в России - "оранжевую кассету" Angel's of Hell Records) его захватить.

"Skycontact", полный более философских текстов, скорее лирикой выражает суть своего названия - развивая прослеживающуюся ещё на прошлом альбоме тему отчуждения во внутренний мир. Это задевание тех колонн, на которых держится мир грёз героя, восходящий в небеса. Он так же обволакивает, как и медленно разъедает душу; будучи отрезанным от всего, человек перетасовывает одно и тоже в себе, находясь в мнимом катарсисе, но на самом деле никак не продвигаясь, не улучшаясь, не решая проблемы и не находя истинные ответы на свои терзания. Словно неспроста, именно первый трек "StoleShowSoul" начинается с не-ментальной, скорее социальной темы, обрываясь и в конце начиная уходить во внутренний мир: анализ общества заканчивается, толком не начавшись, какими-то поспешными и неверными выводами героя почему-то о себе, высказанными злым причитанием Гестмана.

Хотя, да, данный альбом отличается разительно и обожается даже больше "Immense Intense Suspense", мне он поддался не с первого раза и, возможно, всё еще не полностью раскрылся, но отрицать его особенную высокодуховную атмосферность и музыкальное великолепие будет дилетантством. Не могу поставить "Skycontact" ниже 10 баллов. Тем не менее я всегда ставил лонгплей 1994 года выше (впрочем, это скорее не камень в огород второго полноформата команды, а моя безумная персональная привязанность к дебютнику). Я считал, что группа при создании этого альбома и ухода от дэтовой основы шла по крайне тонкому льду. Так же думали и сами Phlebotomized, к моему немалому удивлению. Музыканты, как говорил позже Палмс, очень боялись в своём полёте мысли перемудрить, сделать музыкальную химеру. У них были все шансы написать в погоне за необычностью и сложностью слабую и нелепую работу, чем "прославились" Pestilence, на что из-за сжатых сроков создания претендует часть материала "Элементов" Atheist (судьбы у двух этих альбомов очень схожи), что предпочли не делать, сменив жанр, в Disharmonic Orchestra, и чем всегда славились работы Misanthrope. Но интуиция их не подвела - "Skycontact" не ощущается каким-то искусственным месивом, а вполне целостна и красива не только на бумаге. Хотя группа уже планировала третий альбом, где атмосферные части были бы менее пространны и место вновь было бы отдано под тяжеляк, который Палмс описал как дэт/грув (было бы интересно поглядеть, так как вещь вышла бы тоже новаторская, и кстати, более пригодная к продаже), этим планам не суждено было сбыться. Недостаток поддержки лейбла погубил всё полученное силами первого альбома, часть фанатов не поняла новой музыки, а чувство того, что группа поплыла музыкально куда-то не туда, в итоге пересилило Палмса, и он в конце 1997 года прикрыл лавочку.

Прикрыл до лучших времён...

IJzerklompje  18 ноя 2023

В комиксах, фильмах, играх популярен архетип свихнувшегося/злого ученого, который, при всей своей хитрости и гениальности, является крайне изощрённым маньяком со специфическим почерком. В тяжелом металле такими учёными можно определённо назвать иллинойских мясников Macabre. Порой принципы и закономерности работы этой скотобойни не поддаются объяснению - до такой степени, что весьма гордое самоопределение "murder metal" было покорно приписано критиками репертуару данной формации. В 2000 году на суд уголовный общественный был представлен альбом "Dahmer" - своеобразная метал-биография знаменитого серийного убийцы Джеффри Дамера. В те времена Интернет ещё не был тотально распространён и переполнен информацией, поэтому чтобы собрать всю полноту сведений о Дамере, музыкантам пришлось самим искать книги, копаться в архивах, а лидер группы даже смог получить аккредитацию на посещение всех слушаний по делу, на которых он тщательно записывал в блокнот все слова государственного обвинения, чтобы добавить больше подробностей в альбом (это напрямую упоминается и в самой песне "Trial"). Так что и над музыкальным наполнением, и над текстами и их достоверностью был проведён титанический труд длиной в 10 лет.

Музыкально данный концептуальный альбом о психопате-негодяе, похоже, не ограничен в буквальном смысле ничем - в общем нездоровом угаре под "murder metal" переоборудуется всё - от дэта, хардкора и блюза до рекламных джинглов, детских считалочек и кантри. Звук гитар тут вышел фантастическим, и то, как он подстраивается под каждую пародию, оставляет неизгладимо положительное впечатление и похоже, является основным фактором, позволяющим этому альбому, несмотря на то, какой термоядерной смесью он является, идти как по маслу. Ни один элемент не отторгается как инородный, и ни один трек, даже без учёта последовательности повествования, здесь не хочется пропустить - уж больно любопытно, насколько что прогнило. И кроме таланта рассказывать истории, музыканты умеют и обращаться с инструментами - мы видим разноплановые соло от Ларса "Corporate Death" Ленсиони, слышим радующий переборами и солирующий на мощном треке "Apartment 213" бас Чака "Nefarious" Лецевича, а неугомонные молотящие барабаны Денниса "Dennis the Menace" Ричи наполнены одними из самых сладких сбивок и филлов, что я где-либо имел честь наблюдать. Полно здесь и голосовых трюков - как и чуть ли не мультяшно-высокий, надломленный психо-голос от Corporate Death, так и брутальные, низкие вариации вокала, я уже не говорю про единичные появления других методик пения чисто под соответствующую песню. Несмотря на всю драматичность и мрачность сюжета, несколько юморные мотивы словно насмехаются над нулевым величием Дамера. Выделяя наиболее любимые вещи, тут нельзя пройти мимо вступительной "Dog Guts", развесёлой "Grandmother's House", намеренно атональной "Exposure", стоунер-номера "Christother Scarver" и уже упомянутой выше "Apartment 213". Однако как бы эти пьески не были замечательны, намного лучше диск заходит как единое целое. Впрочем, для концептуального альбома это немудрено.

"Dahmer" - одна из жемчужин тяжелого металла, от группы с широким кругозором и чувством юмора. Считаю эту работу попросту обязательной к ознакомлению. Бесспорная десятка данному, ни на что не похожему труду.

IJzerklompje  18 ноя 2023

Одной из самых известных и великих групп, вышедших из Страны Тюльпанов, является уникальный арт-рок-коллектив Ekseption. По легенде, однажды бэнду, основанному Рейном ван ден Бруком, пришло предложение составить аккомпанемент академическому оркестру, и его группе дали на разучивание Пятую симфонию Бетховена. Хотя оркестр и посчитал выступление с поп-коллективом выше своего достоинства и мероприятие сорвалось, ван дер Бруку исполнять аранжировки классики на джазовый манер пришлось по нраву. После того, как состав пополнился талантливейшим мультиинструменталистом и выпускником консерватории Риком ван дер Линденом (родственником известного барабанщика Focus Пьера ван дер Линдена), под впечатлением от групп The Nice (благодаря их концерту в Роттердаме, Ekseption и повернули в сторону расширения арсенала роковыми приёмами и электромеханическими клавишными) и Jethro Tull звучание коллектива приобрело больше арт-роковых фрагментов. С изменением вектора поменялся и состав: было рекрутировано несколько новых исполнителей, среди них флейтист/саксофонист Роб Крёйсман, гитарист/саксофонист Хёйб ван Кампен и барабанщик Петер де Леуве. После победы на джазовом фестивале, группа в качестве награды заработала контракт на лейбле, принадлежавшим (кому же ещё локальный мейджор может принадлежать в Нидерландах?) Philips. Найдя успех у публики со своими аранжировками мировой классики, музыканты записывают дебютник "Ekseption" (также в некоторых изданиях названный "Classics in Pop"), позволившей группе стартовать удачно. Вышедшая синглом аранжировка Пятой симфонии попала на верхние строчки локальных и европейских чартов, а сами Ekseption не раз попадали на ТВ с данным репертуаром.

Дебютный альбом представляет из себя солянку из каверов на различные жанры классической и камерной музыки, а также джаза и арт-рок-коллективов. Конкретно роковых элементов здесь пока не так много, явно меньше, чем на последующих четырёх альбомах. Электрогитара на этой пластинке исполняет лишь вспомогательную функцию, например, в кавере на Jethro Tull "Dharma for One" - активничает в основном трубач ван дер Брук, в тандеме c ван Кампеном и Крёйсманом на саксофонах. В этом плане стоит отметить единственную, скромную, но далеко не робкую попытку сочинить уже что-то своё - джазовую композицию "Little X Plus" - здесь Крёйсман показывает хорошие навыки игры на флейте. Своё слово скажет и Кор Деккер с крайне запоминающейся, ритмичной басовой линией. Также очень удачно звучит вкрапление вибрафона в композицию. Пойдём дальше. Фундамент всей музыке на альбоме придаёт Рик ван дер Линден - клавишник и основная движущая сила коллектива. Переключаясь между стандартным фортепиано и Хаммондом, он раздвигает границы трёх жанров достаточно виртуозным исполнением (как он сам говорил, в Ekseption он видел больше простора для творческой мысли, чем в рамках академических формаций). Особенно мне по душе пробиваемая на контроктаве фортепиано басовая часть, а затем переход на верхний мануал Хаммонда в обработке "Танца с саблями" Арама Хачатуряна - прочтение вышло крайне затягивающим и удачным. Также не могу пройти мимо замечательной "Рапсодии в стиле блюз" Джорджа Гершвина - хотя с напором в серединной части, на мой вкус, ван дер Линден переборщил. Трек "This Here" - вариация на композиции Бобби Тиммонса - лишился характерной соулу крайней лёгкости и непринуждённости, но звучит весьма пристойно и в данной аранжировке, похожей на смесь блюзового настроения и джазовых духовых мотивов.

"Dance Macabre Opus 40", нам известная больше по перезаписи 1981 года в качестве мелодии оглашения результатов игры в "Что? Где? Когда?", в данной версии словно бы не обладает именно тем более подплясным и костлявым мотивчиком (ибо это данс-макабр, а не абы что), который придавал мелодии ксилофон, но сильно строго относиться к этому не берусь, так как, возможно, действует факт того, что на поздней версии я, как и многие из нас, вырос (стоит заметить, что звукорежиссёрская коллегия ЧГК подвергла композицию Ekseption ремикшированию с небольшой долей отсебятины). Кроме того, версия "Арии" Баха, которая мне почему-то никогда не нравилась, вышла весьма очаровательной. Заметны там мягкие барабанные линии барабанщика Петера де Леуве.

Подводя итог, можно сказать, что для дебюта группа показала и мудрость в выборе материала для переаранжировки, и умение не испоганить классику, при этом сделав её доступной массовому слушателю, а прочтение выдать неизбитое. Кроме того, отличный трек "Little X Plus" намекает на обладание музыкантами потенциала писать своё. Крайне хороший дебютник, который, однако, будет в какой-то мере контрастировать с остальным периодом творчества Ekseption, вплоть до ухода Рика ван дер Линдена в 1975 году благодаря сильно перевешивающей джазовой основе музыки. Но начало было положено, как отправная точка этот альбом крайне хорош, и не уступает последующим работам хоть как-то существенно.

Увы, все музыканты, принимавшие участие в записи этой пластинки, и многолетний продюсер группы Тони Вос, отошли в мир иной. Я, как и многие любители хорошей, толковой музыки, буду чтить их память.

IJzerklompje  17 ноя 2023

КОГДА ОДИН ЛУЧШЕ, ЧЕМ ДВА.

В повседневной жизни подобное происходит сплошь и рядом. Да и в рок-музыке такое случалось не так уж и редко. Вот одна из похожих историй.

В далёком уже 1977 году канадская группа под названием Bachman-Turner Overdrive, основательно обосновавшаяся в США, выпустила свой шестой студийный альбом "Freeways", не принёсший, впрочем, ей сколь-нибудь ощутимых дивидендов (лишь 70-е место по версии US Billboard 200, что стало всего-то повторением результата их дебютного диска 1973 года). После шумного успеха LP "Not Fragile" в 1974 году (1-е место в US Billboard 200), каждая последующая пластинка ВТО неизменно падала всё ниже и ниже. И не только потому, что новая была хуже предыдущей: не ощущалось всеми ожидаемого развития, группа словно зависла, тщетно пытаясь проделать шаг вперёд, по результатам же оказывался откат на два шага назад.

В сложившихся условиях, казалось бы, роль лидера возрастала в разы. Но в этой истории всё вышло иначе. С учётом предыдущих трений с Френком Тёрнером и намерений наконец-таки начать сольную карьеру, первым сломался как раз-таки Рэнди Бэхман, ведущий музыкант ВТО. Едва поднялась волна негатива после релиза первого тиража "Freeways", Рэнди решительно объявил о своём уходе из группы. И это в то самое время, когда за его командой перед компанией Mercury оставался долг в виде двух полновесных альбомов, которые музыканты ВТО обязаны были подготовить за ближайшие 18 месяцев.

Тот же Ф. Тёрнер так объяснял причину демарша лидера группы: "Поскольку Рэнди финансировал нашу деятельность, всё шло по его и Mercury графику. После "Freeways" наступил критический момент, когда Блэр, Роб и я заявили Рэнди, что мы перегорели, что нам не нравятся песни, что пишем мы, и песни, что писал он, и что самое лучшее сейчас притормозить. Рэнди ответил тогда, что его песни хороши. Именно он форсировал запись "Freeways", что и положило тогда конец той версии ВТО".

По правде говоря, первоначальным намерением Р. Бэхмана было лишь на некоторое время приостановить активность группы и скорректировать условия соглашений с Mercury, пока он занимается своим сольным проектом. Однако боссы компании вынуждали ВТО придерживаться договорных обязательств. С Рэнди или без него.
Робби Бэхман как-то где-то отметил, что музыканты планировали встречу четвёрки, чтобы обсудить вероятность возвращения музыки группы к рок-н-рольным корням после относительного фиаско "Freeways", но Рэнди было уже не переломить. Встреча так и не состоялась. В то время даже упёртый Фред Тёрнер был за то, что составу следует взять паузу. Без Рэнди будущее ВТО представлялось беспросветным, но Блэр Торнтон и Робби Бэхман убедили Фреда в продолжении жизнедеятельности группы. Пусть даже без Р. Бэхмана и с изменённым названием.

Тут дело было вот в чём. Когда Рэнди официально оформлял свой исход из состава квартета, то заявил бывшим соратникам, что оставляет за собой права на использование своей фамилии в названии Bachman-Turner Overdrive. И это в то время, когда в рядах команды оставался ещё один из Бэхманов, младший брат Робби. После чего за 18.000 долларов уступил право на использование аббревиатуры В.Т.О. (именно в таком виде) трём оставшимся участникам группы.
(Не исключено, впрочем, что сюда примешивалось ещё одно обстоятельство: Р. Бэхман не желал стать мишенью в случае неудачи будущего альбома группы.)

Вся эта канитель длилась больше года. Нечто подобное с Рэнди в прошлом уже случалось, когда он покидал состав своей предыдущей канадской группировки The Guess Who на пике её популярности, чтобы в 1973 году основать ВТО. Тогда причина была более чем очевидна, и лежала, что называется, на поверхности: уж очень музыканты The Guess Who налегали на наркотики, противником чего Рэнди Бэхман, как истовый католик, всегда являлся. Это обстоятельство, кстати, было одним из основных условий при формировании новой группы, возможно поэтому в самом первом составе Bachman-Turner Overdrive оказались ещё два брата Рэнди, музыканты не самые сильные, зато благонадёжные.

В качестве замены Р. Бэхману был приглашён уже достаточно опытный музыкант, бывший участник статусной команды April Wine из Канады Джим Кленч (Jim Clench), у которого разладились отношения с неформальным лидером AW Майлзом Гудвином (Myles Goodwyn). Рокировка эта выглядела, по меньшей мере, странной. Мало того, что Дж. Кленч уже почти два года мыкался без серьёзных предложений, перебиваясь случайными сессионными подработками у посредственных исполнителей, так ещё он, как и Фред Тёрнер, являлся бас-гитаристом. Впрочем, как и Тёрнер, поющим, что, видимо, многое решило.

И всё же, что тогда оказалось более весомым - тайна покрытая мраком. Ф. Тёрнер переключился на гитару, Кленч занял его место. Вокальные диапазоны и того и другого были близки, но, будем откровенны, до уровня Рэнди Бэхмана оба явно не дотягивали. В сложившихся обстоятельствах роль ведущего гитариста Блэра Торнтона возросла кратно. И, надо это признать, Блэр не подкачал, став, пожалуй, единственным в составе, к кому трудно предъявить претензии.

Уже годы спустя ту ситуацию так прокомментировал Брюс Аллен, один из менеджеров группы того времени: "Фред пытался играть на гитаре, но в качестве фронтмена он смотрелся так неуклюже, что лучше бы этого не делал. Фред был прирождённым басистом-лесорубом, топающим по сцене. Им ему и следовало оставаться".
Впрочем, и сам Тёрнер уже после выхода "Street Action" в интервью одной из газет в июне 1978 года был достаточно самокритичен: "...Пожалуй, нам не нужно больше биться лбами о стену. Я люблю музыку кантри. У меня семья и трое детей. Есть другие способы, чтобы как-то продолжить”.

Уже из этого его высказывания можно делать предварительный вывод, что с вышедшим в феврале 78-го года альбомом В.Т.О. что-то не так. Впрочем, судите сами: лишь 130-е максимальное место по версии US Billboard 200, и это худший показатель за всю предыдущую историю группы. Ни одного хита и полный коммерческий провал. Перемены в составе определённо сказались на реализации "Street Action", хотя, как отмечали критики, звучание квартета стало тяжелее, чем в предыдущих работах ВТО. С этим, конечно, можно было бы поспорить.

Даже одна, казалось бы, из самых заметных песен "For Love" с характерным звучанием для хитов группы 1974 года ("Let It Ride" или, допустим, "You Ain't Seen Nothing Yet"), в 1978 году для широкой аудитории уже оказалась малоинтересной.

Замечу, что при Рэнди Бэхмане Фред Тёрнер пел только в собственных песнях, а таковых было не так уж и много. Джим Кленч в April Wine также пребывал в тени Майлза Гудвина и солировал эпизодически. Теперь же оба примерно в равной мере стали ведущими вокалистами. При этом Ф. Тёрнер не столько пел, сколько кричал в микрофон. Не сильно лучше с этим обстояли дела и у Дж. Кленча.

Как бы то ни было, несколько номеров из программы "Street..." заслуживают внимания. Один из них, несомненно, "Madison Avenue" с нестандартным для этой группы началом, с несколькими привлекательными пассажами и акцентированно джазовым соло на саксофоне. Переход после пасторального акустического вступления к хард-року представляется в какой-то степени экстремальным и, пожалуй, даже спорным решением. Но ещё хуже обстоит дело с вокалом. Жёсткий колючий голос Фреда совсем не соответствует содержанию текста:

"Блюз Мэдисон Авеню
Не выходит из моей головы.
Там люди живут в просроченном времени
С проблемами, пожирающими их заживо.
Тех, кто перестаёт жить,
По очереди меняют другие...
... Так что жизнь продолжается
И люди продолжают принадлежать Мэдисон Авеню
С тем, во что они пытаются верить.
Но очень немногие становятся свободными
На Мэдисон Авеню..."

Ещё один примечательный и нетривиальный трек поджидает слушателя в концовке программы альбома - тягучий блюз "The World Is Waiting For A Love Song". И это едва ли ни единственный подобный опус в репертуаре группы. Выдающимся этот номер, наверное, не стал, хотя Б. Торнтона с его гитарной партией следует отметить. И пожалуй, именно классическое блюзовое обрамление более всего подходит содержанию этой композиции:

"Как много песен о любви люди поют от горя
В надежде дотянуться до тех, кто рядом,
Но словно упираются в каменную твердь.
И тогда напрасны мучительные призывы,
Надежды, потаённые мечты.
Проходит череда одиноких лет
И даже следов от слёз не остаётся..."

С особенностями вокала Ф. Тёрнера, как, впрочем, и Дж. Кленча, обоим, по всей видимости, стоило бы петь о чём-либо другом, но уж точно не о любви. Вот, допустим, как в "Down The Road". Наверное, это не лучшая попытка переписать "Roll On Down The Highway" (из LP "Not Fragile"), но даже эта рядовая, казалось бы, песня воспринимается куда позитивнее, чем "Takes A Lot Of People", в которой музыканты В.Т.О. предстают некими простоватыми лабухами в каком-то захудалом ресторане.

Не может не обратить на себя внимание и композиция "A Long Time For A Little While". Стилистически эта вещь ближе всего к достаточно редкому формату "коктейль-джаз-баллада", неплохо в прошлом освоенному группой. Достаточно вспомнить, скажем, номер "Lookin' Out For #1" (из пластинки "Head On", 1975 г.) или "Welcome Home" из "второго ВТО" (1973 г.). В обоих случаях, впрочем, то были песни Рэнди Бэхмана. На этот раз обошлись без него и в общем-то справились. Хотя, быть может, недостаёт мелодического лоска и лирических тонкостей, но в целом "A Long Time..." выдержана в жанровых рамках. Разве что песенная поэзия Джима Кленча слегка озадачивает:

"Кто-то живёт долго, кто-то не очень,
В любом случае это не более чем мгновение.
Будущее начинается там,
Где заканчивается прошлое.
Это всего лишь жизнь, от начала до конца.
Единственное, что я знаю наверняка,
Это то, что все мы в своё время умрём...
Так что довольствуйся - у тебя есть шанс,
Как и у меня тоже..."

В каком-то смысле эта песня является своеобразным камертоном, с помощью которого несложно определить, что и сколько потеряла группа без Рэнди Бэхмана. Дж. Кленч как ни старался (если, конечно, старался) как-то сгладить врождённую угловатость Фреда Тёрнера, не слишком в этом преуспел. А продекларированные творческие усилия всего квартета в работе над программой "Street Action" оказались скорее условными, чем реальными. Что-то мне подсказывает, что парадом командовал всё же Ф. Тёрнер и, стало быть, подтягивал одеяльце на себя, как это в своё время делал Р. Бэхман. И не сказаться на качестве предложенного этой пластинкой материала это не могло.
И не сказалось.

МихаилБогданов  17 ноя 2023

Продолжая обозревать нидерландский дэт-метал, мы натыкаемся на весьма любопытную запись - дебютный полноформатник группы с специфическим наименованием Bluuurgh... "In My Embrace". Уже имея в обойме EP, на данном альбоме, так и оставшемся единственным, коллектив делает несколько рискованных шагов.

В первую очередь внимание забирает вокал одиозного музыканта Джейсона Кёнена - будущего лидера Celestial Season: это крайне преувеличенный скриминг, который способен сразу отсеять половину слушателей. Крики надрывные, абсолютно психозные, и всё же я не отношу себя к поклонникам столь необычного исполнения. Музыка выдержана в стиле дэт/трэш-метала. По сути, этот альбом предстаёт ещё одним аналогом Dead Head и Thanatos. Продюсерская работа оставила у меня смешанные чувства: гитарные тона не передают должным образом ни подвально-индустриальную Godflesh-подобную атмосферу, ни дэт-металлический напор. В результате этой полумеры очень страдает восприятие. Звук барабанов здесь на любителя, манера бесхитростная, напоминает Билла Эндрюса из ранних Death. Лирика остро критикует христианство, в целом направлена против религии, полна spoken word-отрезков, стилизованных под семплы. Гитарных соло тут немного, исполняет их Олли Смит (которого потом Кёнен перетащит в Celestial Season) и звучат они удовлетворительно. И если середина альбома мне показалась в какой-то степени скучной, то вот за два последних трека - "Decieved" и "Christian Herd Conformity" - группу я похвалю, они вышли подинамичней. Второй трек "Circus of FIlth" получился более думовым, с вкраплениями будто уставшего от всего и вся чистого голоса с неожиданным переходом на более качовый 4/4 и в речитатив, рифф с рубленой секцией - он как-то напомнил мне Disharmonic Orchestra `92, поставим в зачёт пластинке и его. Также стоит заценить инструментальный бонус-трек "Version" - эдакий электронный эксперимент Кёнена, хотя он незатейлив и не наполнен громкими пульсирующими мотивами, а звучит скорее кротко и негромко, он больше похож на MIDI-файл.

В итоге я считаю "In My Embrace" работой не без своей изюминки (по крайней мере, так можно охарактеризовать вокал Кёнена), но вряд ли годящейся на множество прослушиваний. Субъективно снижаю оценку из-за вокала и не очень бодрого саунда. Тем не менее, крайне советую прослушать музыку смежной с ними трэш-метал-группы Korsakov - хотя, увы, их репертуар так и остался в виде демо, он показывал отличный потенциал и подкованность гитаристов.

IJzerklompje  16 ноя 2023

Прослушиваю новый альбом Dokken (первый за одиннадцать лет) и память вдруг подкидывает фразы из старых интервью Дона Доккена, данных им в девяностых годах (цитирую по памяти): "Я восхищаюсь профессионализмом Дио! Тем, как он разогревает голос перед шоу, делая дыхательную гимнастику" (это был год примерно девяностый). И ещё: "Нам надоел имидж хард-роковых менестрелей! На новом альбоме мы будем петь об актуальных проблемах" (из интервью девяносто пятого года, перед выходом альбома "Dysfunctional").
Оглядываясь теперь на всю предыдущую карьеру Дона Доккена и его команды, отчётливо понимаешь, где они свернули не туда. Именно в середине девяностых, вместо мелодичного хэви, они заиграли гранж, а Дон стал насиловать свой голос, распевая в несвойственной ему манере. Делал ли он дыхательную гимнастику, как Дио? Если и делал, то она ему не помогла. Голос к концу девяностых сел, а затем начались проблемы со связками, потребовавшие хирургического вмешательства.
Тем паче удивительно, что он ещё поёт, и его неповторимый тембр всё ещё с ним. Эксперименты остались в прошлом и на новом альбоме царит старый добрый "менестрельский" хард-рок. Песни о любви и расставании, цыганках и путешествиях по горам и долам. Добротный гитарист Джон Левин (с Доном он играет уже двадцать лет) выдаёт неспешные риффы и мелодичные соло, ритм-секция, позаимствованная Доном у коллеги по цеху, Джеймса Крисчена из House of Lords - качает, как ей и положено. Общий темп музыки невысокий, но и не занудный, баллады - на уровне, который позволяет нынешний голос певца. Местами Дон поёт устало, и у слушателя (особенно знакомого с пластинками Dokken восьмидесятых) может создастся впечатление, что с его голосом полная катастрофа. Но нет, в такой манере он пел ещё на "Broken Bones" (прошлом альбоме). А музыка здесь лучше, ярче и живее, и кое-где мелькают нотки прежнего Дона.
Из песен трудно выделить какую-то одну, альбом очень ровный, песни хорошо запоминаются. Наверное, последняя баллада "Santa Fe" стоит особняком и сделана скорее в стиле кантри.
Резюме: новое творение Dokken слушать можно (равно как и два предыдущих альбома). "Heaven Comes Down" явно лучше безликих творений середины девяностых и начала нулевых, когда голос у Дона ещё был, а интересной музыки практически не было. Гитарист Джон Левин, которого сравнивают с Джорджем Линчем, на мой взгляд, не хуже своего предшественника. Как музыкант и как соавтор, он имеет своё лицо. Кому же по душе Джордж - слушаете его Lynch Mob (лично мне не нравится). Голос Дона времён "Back for the Attack" (1987) и "Up from the Ashes" (1990) уже не вернётся, но тембр и теплота, а также дар мелодиста всё ещё с ним. Но лучше бы он тогда не отказывался от роли "хард-рокового менестреля", тогда, глядишь, сохранил бы и голос, и репутацию.

Albion  14 ноя 2023

Начало пути во всех отношениях легендарной нидерландской группы Asphyx было не менее ухабистым, чем её последующие этапы существования. Записав несколько демо и вынужденно положив на полку материал уже записанного дебютника "Embrace the Death", группу покидает обладатель "отвратного характера, сравнимого только с его отвратным английским" - Тео Луманс, а с дребезжанием отколовшийся от Pestilence автор этой характеристики Мартин ван Дрюнен вступил на позицию как басиста, так и вокалиста, что стала вакантна у Asphyx в то же время, когда бравый любитель алкоголя покинул вотчину. Такое мощное пополнение сделало группу более притязательной для подписания контракта на тогда ещё в целом андеграундный лейбл Century Media, с которым Asphyx проведёт, несмотря на 4 распада и реформацию в Soulburn, 30 лет. Итак, что же представляет из себя пытка на "Дыбе"?

Стоит сначала отметить, что Мартин ван Дрюнен не просто пришёл петь разрекламированным голосом на всё музыкантами уже приготовленное, а переработал свою технику основательно. Из землетрясного гроула пение превратилось в пронзительнейший скриминг (впоследствии он отзывался о нём, как о лучшей своей вокальной работе). Разрывая связки, он нам повествует о вещах очень мрачных и губительных, по-настоящему древних: оккультизм, бесконечные эпидемии чумы, смерть. Спасает нас только их некая отдалённость - так как дух у этого альбома и вправду какой-то "средневековый". И общий, весьма чистый с небольшим эхо, словно из тёмной пыточной комнаты, но при этом ещё и скрипучий, как механизм этой самой дыбы. Это же можно сказать и о бас-гитаре - здесь Мартин, до этого не игравший в студии, смог подкачать навык владения инструментом и сыграл более чем достойно (на одном из лайвов, доступных на Ютубе, бас выдвинут в микс очень сильно вперёд, что даёт нам понять, что и вживую он уже хорошо с ним обращался). Барабанная игра Боба Багхуса неизменно стабильна, показывая как думовую размеренность, так и вполне способная на ускорение и хлёсткое избиение главного, и трэшевые мотивы. Нельзя не отметить отличные тягучие риффы главного сонграйтера альбома Эрика Даниелса. Иногда он может порадовать нетехничными, но тем не менее завораживающими соло, или, например, вихрем гитар, как в "The Sickening Dwell". Великолепный продакшн вкупе с древними, но действенными музыкальными приёмами обеспечивают альбому невероятную силу воздействия. Отмечая любимые треки, тут, безусловно, в первых рядах будут два дэт-думовых хита - "Evocation" и "Pages In Blood" с резким ускорением к концу, привет из Pestilence от "Vermin", и очень тягучая и неимоверно тяжелая "The Rack". Для того, кому этот девятиминутный и при этом несколько однообразный трек покажется пыткой, посоветую ещё раз перечитать название. Хотя без учёта стартового инструментала здесь уже 8 треков на 36 минут, всё равно мучительно не хватает ещё одной песни, которых у коллектива, хоть и сыроватых, было еще несколько хотя бы из репертуара сессий "Embrace the Death".

Конечно, следующий альбом получится и совсем другой по звуку, и куда менее думовый, и куда более злободневный в лирическом ключе. Но эти два релиза я в некоторой степени разделяю меж собой, и уважаю за свои сильные стороны. Но всё же "The Rack" с течением времени стал мне импонировать больше. Этот диск - один из наиболее важных начальных альбомов в дэт-думе, наряду с дебютником Paradise Lost и первыми работами Anathema. Крайне рекомендую.

P. S. Боб Багхус как-то хвастался, что Asphyx были одной из очень немногих дэт-металлических команд, которые признавал Евронимус. Он, как и Mayhem, были "фанатами" и активно вели с нидерландцами переписку, Евронимус называл Asphyx "той самой злой музыкой", которой перестал быть дэт в его видении.

IJzerklompje  12 ноя 2023

При тщательном рассмотрении и прослушивании последнего «номерника» итальянских Sadist, меня не покидает мысль о том, что многие альбомы этой славной группы практически всегда отличала какая-то неоконченность, недоработанность или, может быть, какое-то отсутствие полноценной шлифовки. Хотя потенциал у коллектива был всегда. И возможно, именно «Firescorched» приблизился к их эталонному творчеству, как в плане музыки и композиции, так и в плане звука.
В моем конкретном случае необходимо акцентировать внимание на предпоследнем творении Sadist, в данном случае это «Spellbound», много раз прослушанный, и сравнивать буду в основном с ним. Записанный прошлым составом диск был статичным и холодным по атмосфере, но ни в коем случае не плохим. Как мне видится, материал на «Spellbound» получился нецелостным и рваным. Набор разрозненных элементов, которые заготовили, но почему-то не успели «упаковать» в итоговые композиции. После этой досадной осечки в группе произошли кадровые перестановки по части баса и ударных. На место Марчини пришел голландский басист Jeroen Paul Thesseling (Obscura, Pestilence), играющий на безладовом инструменте. Партии барабанщика взял на себя Romain Goulon (Necrophagist, Agressor (FR.)). Многоопытные новобранцы отлично влились в коллектив, особенно по душе пришлись мне партии Тесселинга. Безладовый бас практически всегда дает аналоговую ламповую живость.
На «Firescorched» имеется очень достойный, особенно по нынешним временам, саунд. Сцена в записи выстраивается замечательно, и наслоений одних инструментов на другие нет. Полноценная, полнокровная стена звука, а где надо и затухание гитар, отдельно музицирующий безладовый бас, партии клавиш очень дозированы и появляются только там, где действительно украшают аранжировки. Особенно хороши они как бы «на фоне» бласт-бита. Электроники действительно много. Однако при общем преобладании «теплого» звука она логично вписывается в структуру альбома, где многое подчинено трэшевым риффам, наслоениям прогрессива и палитре загадочного Востока.
Витиеватая вязь баса не перетягивает всё внимание на себя, ударные созвучно создают крепкий каркас для четко структурированных риффов и многочисленных электронных вставок. Мне было бы интересно послушать этот материал с ударником джазовой школы… может быть. Но и тут всё весьма недурно. Гармония в наличии.
Девятый альбом у Sadist'а получился. Хотя ниточек, связывающих группу с именно с death metal, осталось немного. Фирменный рык Тревора Надира – одна из них, и ревет он просто убойно. По сути, «Firescorched» получился более прогрессивным, экспериментальным – и это уже кивок в сторону ранних работ. А еще на альбоме всё очень закончено и логично звучит, нет желания что-то убавить или прибавить. Блюдо, извините за сравнение, приготовлено, подано, готово к употреблению. На мой взгляд, у группы всё в порядке, и видно каким путем ей развиваться дальше.

Volot  12 ноя 2023

Невозможно выразить всю мою истинную любовь к этому британскому коллективу и к этому альбому в частности. "Ooh Crikey..." переполнен истинно панкушным весельем и той долей chav-ского безумия. Образовавшись в 1987 году, группа вскоре набрела на контракт с Earache Records, который давал приют самым безумным хардкор-движениям туманного Альбиона. В сентябре 1990 года этот альбом выходит в свет и получает крайне высокие для вроде бы альбома-шутки оценки.

Музыкально тут, как и положено произведению с сатирической жилкой, полно случайных заимствований и насмешек над известными единицами культуры. Что можно сказать о характере звука - здесь он лишён какого-то панкового непрофессионализма - вообще не скажешь, что работа сделана просто в угаре. За гитарные дела в ответственных вписали Concorde Face Ripper и Schizo Rotary Sprintmaster, и свои "профессиональные" прозвища они оправдывают вполне (как и известных игрок в снукер Рэй "Дракула" Риардон в превесёлом тексте открывашки "Spook Pery Happenings in the Snooker Hall", где он своими зубами "выиграл" у Алистера Кроули в бильярд). Барабаны в исполнении некоего мистера Флаймо четко выбивают как чисто хардкорные удары, так и бластуют без каких-то особых заминок. Музыкально тут есть пародии на пауэр ("Sumo Rabbit and His Inescapable Trap of Doom"), трэш ("Judgement Day"), дэт ("Sharp Fucka Blades of Hades"). Кроме того, на диске полно очень коротких шуточных номеров или однострочных хардкорных частушек. Вокал Qualcast Mutilator (в миру Пит Ли) очень радует диапазоном... нет, не голоса - пародий. Встретить можно много очень разных - как обычные стилевые паттерны, так и характерные персонифицированные образы для персонажей. Бас от Mightimow Destructimow тоже радует переборами. Из любимых номеров тут можно отметить пародийный грайндкор-замес "Did You Spill My Pint?", высмеивающий дешёвые и уже набивавшие потребителям оскомину сай-фай-сюжеты "Flying Killer Cobs from the Planet Bob" и "Maim Mower Maim". Но моя любимая песня - это "Sheep Dip", которая начинается с мрачного риффа, затем переходит в гранж, а потом добавляет крайне веселый и разудалый припевчик. Отметить нужно и обложку от мастера Дэна Сигрейва - карикатурные пришельцы, космический корабль-газонокосилка, а также небольшие артефакты, такие, как зот-род из зизитоповского "Afterburner" или СИД-истребитель. В 1991 году как часть промоушена альбома вышел сингл "Kids in America" - кавер на хит поп-певицы Ким Уайлд, к которому ещё снят клип, где музыканты веселятся, дурачатся и прыгают в лучшем стиле британских нефоров (хотя песня вроде бы про американских лоботрясов). Сама Уайлд говорила, что это её самая любимая версия, и не раз выступала с группой и даже записала несколько новых песен в коллаборации с британцами.

В сухом остатке мы получаем превосходный юморной альбом, который неизбежно поднимет настроение всем любителям металла разных сортов. Юмор и остроумие не чужды хорошему металхеду, а этот альбом - хороший пример толкового юморного хардкор-трэша без какого-то ненужного пафоса.

IJzerklompje  11 ноя 2023

После мощных опусов "Memorias Atras" и "Tiempos de Furia", сомнительного "El Ultimo Minuto" и довольно тусклой компиляции "Los Días Caminando En El Fuego", от мексиканских электронщиков я не знал чего ожидать. Когда же в 2015 году на свет появился "Ofensor", я, честно признаться, был разочарован. Той мрачности и холода, которые были присущи прошлым, а в особенности ранним альбомам, тут не было и в помине! Так что я отложил этот диск на полку и еще долгое время о нем не вспоминал. Когда же темным зимним вечером мне нужно было ехать в другой город, зарядившись немалой дозой горячительного, я решил дать "Ofensor" второй шанс. И каково же было мое удивление, когда этот альбом раскрылся!
Перегруженные синтезаторы, захлебывающиеся семплеры, ядовитый вокал, а самое главное - атмосфера! По сравнению с прошлыми работами коллектива периода 2004-2010, этот альбом более "теплый", но при этом такой же агрессивный и ядовитый, только яд этот действует более щадяще, обволакивая тебя, и погружая в теплый и уютный сон.
После этого я пересмотрел свое отношение к этой работе и не один раз за прошедшие годы возвращался к ней. Теперь "Ofensor" одна из моих любимых пластинок позднего периода творчества Hocico. Особенно хочется выделить треки: "Relentless" с прекрасной мелодической линией, "Heart Attack" с прекрасной работой семплера, и "I Will Be Murdered (4 Minutes Of Horror)", в которой мексиканцы, не используя бит, создали шикарную, поглощающую атмосферу!
Альбом определенно стоит вашего внимания и является довольно зрелой работой коллектива, хоть и с уклоном немного в другом направлении.

P. S. В лимитированном издании присутствуют еще два диска с довольно интересными ремиксами и тремя бонусными композициями, которые несомненно заслуживают внимания.

Mistis   7 ноя 2023

Ленинградская, а позже санкт-петербургская формация "Фронт" - это явление на отечественной сцене. Одними из первых в СССР ленинградцы стали отстаивать право настоящего трэш-метала на жизнь в Стране Советов и "Металлизация" - это альбом, знакомый каждому любителю отечественной метал-музыки. У многих российских групп в истории было полно перемен составов, смертей, распадов и расколов надвое. Не обошло это стороной и наших героев, когда с 1989 по 1991 годы сосуществовали два состава Фронта. Но в итоге в 1991 году вторая группа окончательно слилась с первой. В ней оказался вокалист/басист питерского "Крюгера" Сева Ходосевич. С ним пришла и добрая половина репертуара для альбома, которая уже была единожды записана как демо-запись "Памяти друга" 1991 года.

Можно отметить, что группа не останавливается на пути утяжеления музыки, и теперь она по сути скатилась в дэт-трэш. Это ощущение подкрепляет мощный и очень фактурный вокал Севы Ходосевича, достаточно часто использующего гроул, например в боевике "Компания Крюгер", или в "Я себя убиваю". Но рычит он в основном между куплетами, а тексты в большинстве своём Сева пропевает в монотонном и быстром стиле. Проводя параллели, сравнения с "Malleus Maleficarum" напрашиваются сами собой - но треки тут куда более заточены под скорость и значительно короче. Касаемо гитарной работы - неизменный лидер группы Борис Вильчик стабильно нарубает ураганные риффы, но его соло не могут похвастаться особой техничностью. Радует игрой на барабанах его жена Елена Вильчик - партии ударных обладают большой плотностью и звучат убедительно. Продакшн, конечно, не блещет чистотой - но разве что-то еще нужно такому альбому? На мой вкус, сырость звука на пластинке лишь добавляет ей очков. Всё более чем понятно без напряга - а остальное под угар и хаос. Лирика "Mortal Surgery" - тоже перекочевавшая из Крюгера - пример весьма шокирующей для только распавшегося СССР кровавой, уже никакими силами не обузданной, писанины. Взять только текст песни "Труп на зубах" (честно говоря, единственной "проходной" на диске)! Выделять любимые композиции в этом полном угара альбоме мне будет сложновато, но нельзя не отметить такие хиты, как вышеупомянутый "Компания Крюгер", низкий старт в формате песни "Встретимся в аду", острую и даже несколько пугающую пьесу "Диаблеро", незабвенный кроссовер-хит "Гопники", попавший на плёнку с концерта на Петровском стадионе 1996 года, ну и мой любимый трек - "Мёртвые тоже любят пиво". Ужасающий натиск энергии, словно мертвецы реально пытаются прорвать пласт земли, вызывающая лирика, перебор на басу Ходосевича и два небольших соло Бориса Вильчика - ну что тут нельзя полюбить? Да это же сам по себе настоящий гимн трэшу и пиву! Игнорировать силу этого трека даже такому непоколебимому трезвеннику, как я, не под силу.

Мне данный альбом нравится безумно, и в контексте времени он смотрится очень сильно, хотя, думаю, и сейчас мало кто откажется вспомнить былое, ведь ту энергию, которую здесь запечатлила "Смертельная хирургия", можно сравнить с глотком "воздуха из 90-х". Многое ещё впереди, но и присутствовавшего хаоса хватило, чтобы перезагрузить плёнку с лихвой. Наш ответ "Маллеусу" немного припоздал, но не подкачал. Единственный минус - обложка за авторством бывшего вокалиста группы Андрея "Гвоздя" Громова. Танцы скелетов, образующих буквы названия - задумка, конечно, хорошая, но всё же она чересчур перегружена и преисполнена яркими мазками, выглядя не совсем притязательно. Но музыкально - это уже не хирургия, а настоящее убийство без намёка на клятву Гиппократа.

IJzerklompje   5 ноя 2023

Данный диск в своё время (далёкий 2005-й, скоро собираться в 11-й класс - чёрт, как же давно это было!) с ходу запомнился мне своей обложкой - пятеро брутальных мужиков сидят в баре и что-то горячо обсуждают. Нарочито "военизированное" написание названий группы и альбома (вкупе с противогазом на лого) также наталкивали на мысль о том, что внутри явно не сборник песен для романтических танцев в стиле сальсы. Тогда, в силу ещё не до конца окрепшего музыкального восприятия, я не смог однозначно определиться с оценкой данного произведения - запомнилось лишь то, что это было "чертовски брутально" и "энергично, что аж за душу берёт!". Со временем, уже будучи в зрелом возрасте, я начал потихоньку "разгребать" наиболее запомнившиеся релизы с тех славных времён (отложившиеся в памяти благодаря обложкам или именам на дисках и зелёных торцах кассет). Благо что всё к этому располагало - сознание и музыкальные вкусы уже сформированы, вездесущий Интернет найдёт любой "аудиореликт" по первому твоему запросу в поисковой строке, да и качество выкладываемых файлов ныне более чем удовлетворительное. Данный альбом исключением не стал - слишком уж запоминающимся он был (по причинам выше). И вот та самая "Новая тревога" заиграла...

Собственно, те самые первоначальные "импринты" от прослушивания диска оказались не так уж далеки от истины - но давайте теперь по порядку и поподробнее. Прежде всего, стоит отметить состав - "Раса ненависти" являлась совместной затеей участников таких коллективов, как Necrodeath, Sadist и Cadaveria. От первых ребят тут присутствует ритм-секция в лице ударника Песо и басиста "Эль Сержанта", от вторых - старина Занна за вокальной стойкой. И почерк экстремальных итальянцев, в общем-то, угадывается сразу - в основе полотна лежит тот же драйвовый треш с элементами дэта, но на этом приёмы нашего заводного квинтета не исчерпываются. Самой забавной и действенной фишкой "Тревоги" по праву можно считать обильные вкрапления латиноамериканских мотивов - от акустических фрагментов и переборов в стиле фламенко до "фолковой" перкуссии, удачно дополняющей скоростные проходы ударника. Техника музыкантов вполне себе добротна - гитаристы высекают простоватые, но запоминающиеся риффы, порой вперемешку с упомянутыми акустическими пассажами ("La Nueva Alarma", "Una Luz" - последняя, кстати, своим вступлением здорово напомнила мне Sepultura времён "Chaos A.D."); с разнообразием и сменами ритмов тоже полный порядок - от медленных переборов до остервенелых трешевых запилов, порой даже в рамках одной минуты ("Malafama", "Mienten"); ритм-секция просто исправно исполняет свои обязанности, но вот вокал... Скажу сразу, что манера исполнения Занны зайдёт не каждому (кроме поклонников его деятельности в тех же Sadist, разумеется) - кому-то его сиплые рычания то на испанском, то на английском, могут откровенно подпортить впечатление от прослушивания, кому-то же, наоборот, его "раздолбайские" кричалки зайдут как родные. Опять же, всё зависит, от вашего субъективного восприятия - от себя скажу, что мне его перформанс вполне заходит, а номера вроде сумасшедших "Malafama" или "Odiados" и вовсе сложно представить с кем-то другим на вокале.

Пара вопросов к компоновке диска - каким образом в основную программу умудрились затесаться аж ТРИ кавера (а это, на минуточку, четверть альбома!), для меня остаётся загадкой. Причём один из них - "Matando Gueros" (кавер на "идейных отцов" Brujeria) - можно было безболезненно убрать в бонус-секцию или вовсе оставить на каком-нибудь сингле, ибо он тут, на мой взгляд, немного выпадает из общего "холста" пластинки. А вот второй по счёту - угарная перепевка хита Антонио Флореса "Vente Pa' Madrid" ("Приезжайте в Мадрид") - является подлинным украшением альбома. Залихватские напевы под акустику отлично уживаются с бешеным разгоном и барабанными сбивками ближе к окончанию песни. Третий - кавер на кроссовер-трешеров Stormtroopers of Death "United Forces" - просто неплох, и мог быть столь же безболезненно убран в бонусную программу. Благо авторского материала, способного "тащить", и без него вполне достаточно.

Подводя итог, скажу, что пусть парни звёзд с неба тут не хватают, но получившийся продукт "слияния умов" вышел весьма годным и даже не лишённым определённых индивидуальных фишек. Понравиться он должен, в первую очередь, фанатам уже упомянутых вышестоящих коллективов, да и любителям небезызвестных Brujeria с Soulfly также должно прийтись по вкусу. Muy bien!

ZzergRusher   5 ноя 2023