На рубеже тысячелетий в Чехии (в значительно меньшей степени также и в братской чехам Словакии) словно косвенно раскрылась секретная ядерная программа Варшавского блока - иначе попросту не объяснить появление тех грациозных и умелых мутантов, которые появлялись на сцене. "Elvenefris" от Lykathea Aflame в некоторой степени стал важным, хрестоматийным альбомом в дэте. Бывалый металхэд может припомнить Contrastic, !T.O.O.H.!, Ahumado Granujo или первую личину Lykathea Aflame - Appalling Spawn. В эту плохую компашку входит и Alienation Mental. Думаю, "входит" было бы скромновато для описания того, что предствляет собой этот гиганский шар, который способен снести всё в округе в масштабах от отдельно взятого черепа до микрорайона.

Ожидаемо на альбоме, выпущенном силами андеграундного лейбла Khaaranus, специализировавшийся на самой мерзкой чешской гриндятине, должны присутсвовать три вещи. Буйные риффы с бластбитами (герой за барабанной установкой - Ядра Хаж), пытающиеся сымитировать стадо слонов в лиминальном коридоре из посудных лавок - check. Нелепые переходы и сэмплы между песнями, призванные своим напоминанием о реальном мире как-то нивелировать порой напрягающую гротескность - check. И общий WTF-фактор, присущий конкретному месту и времени - check. Но есть нюансы. Плотность всех невыносимо тяжелых конструкций не максимальная, но вполне большая - проблемы с восприятем действительно могут возникнуть у большинства слушателей. У меня было так же - понадобилась вторая попытка штурмовать альбом прослушиваниями, чтобы его мысль стала понятна. При этом в итоге фриковатость Alienation Mental стала предсказуемой. Говорить об ожидаемости чистого вокала с клин-гитарой ("One of Infinity") в грайндовом релизе весьма странно, но это фактически те ощущения, которые у меня вызывали такие фрагменты. Хотя по окончанию прослушивания альбома, длящегося практически идеально ровные 30 минут, остаётся скорее приятное послевкусие. Но отвественного за неразборчивые рыки и булькания Милана Хавличека нужно пожурить. Вокал здесь евда ли вызывает восторг.

Подводя итог, стоит предупредить, что хоть "Шаромёт" и выплёвывает вполне опасные пушечные ядра, увернуться от атак - выполнимая задача. Альбом не достигает высот !T.O.O.H.!, но его можно с оговорками рекомендовать к прослушиванию. Был бы он длиннее или содержал бы какую-нибудь откровенно слабую песню, оценка была бы ниже. Но данный диск спасают две оглушительно мощные пьески "The Restricted Cerebral Capacity" и "Screw", связанные между собой переходом из пульсирующей бас-линии. Группа, тем не менее, своего слушателя нашла: к примеру, слышал, что альбом любят участники 7.H Target - действительно, музыка нижегородцев, кажется, использует элементы, схожие с Alienation Mental, но переиначенные и доведённые до ума.

IJzerklompje   4 дек 2024

Листал Дарксайд, почитывал рецензии к любимым альбомам и вспомнил, что в недалёком от нас прошлом был замечательный коллектив Exivious, исполняющий, по их же словам, фьюжн-метал. Группа, которая оказала на меня большое влияние своими двумя альбомами, в частности как на композитора. На первый альбом есть три неплохие рецензии, с каждой из них я в чем-то согласен, в чем-то нет, что разумеется, ведь всё это достаточно субъективно. Но я не обнаружил ни единого слова о втором релизе Exivious, отчасти оно и понятно почему: слабо чувствуется новаторство, не улавливается драйв в ритмах ударника и джазовых интонациях подгруженной гитары Тимона.

Общий тон альбома я бы назвал меланхоличным, в сравнении с относительно джазово-драйвовым первым релизом. Вспомнить только гениальнейший, на мой взгляд, «Waves of Thought» - где вы еще такое услышите? Но это не значит, что вторая (и к сожалению, последняя) работа Exivious может считаться провальной. Меланхолия, которая так и бросается в уши, присутствует уже в первом треке «Entrust». Авторы не поскупились на интересные ритмические решения, и в развитии гармонически идентичной темы на нескольких повторяющихся аккордах, хорошо слышны сбивки в партии ударных, что можно охарактеризовать как некоторую эмоциональную неустойчивость. Расшатывание приводит к всплеску и начинается соло, которого мы так ждали. Ближе к концу трека авторы возвращаются к начальной теме, которая в итоге практически превращается в бесконечность. И пусть здесь нет никакого гармонического разнообразия, трек звучит достаточно интересно.

Самый джазоподобный трек на альбоме это, несомненно, «Triguna», но в известный нам джаз авторы не окунаются с головой. В конце концов, они играют фьюжн-метал, однако smooth-солямба прямо отсылает слушателя во времена увлечения масс незаурядным и интересным на тот момент жанром.
Джазовым соло нас также встречает «Open», но как и в только что упомянутом треке, ненадолго. Сопоставление джазовой темы и тяжелой, слегка нагруженной, в очередной раз подтверждает многообразие направления фьюжн.
Мой любимый трек в этом релизе – «Deeply Woven», где ритм-гитары почти с самого начала устремляются вперед, впоследствии начиная свое «повествование». Изюминка трека – соло сопрано-саксофона, которое в рамках установленного жанра звучит весьма органично. И это несмотря на то, что саксофон у многих ассоциируется с академическими направлениями музыки.
Заключительный трек «Immanent» заметно отличается от остальных песен релиза. Он наиболее напряженный и динамичный, в его основе некий конфликт, который не то разрешается, не то перерастает во что-то другое, и в прежнем темпе уходит в закат.

Безумно обидно, что такой амбициозный коллектив перестал существовать, но может оно и к лучшему. В итоге, как многие знают, группа не распалась, а стала существовать другим составом и под другим названием – Our Oceans. Соответственно, они немного сменили вектор деятельности. Интересностей меньше, но каждому своё, у них уже и альбом третий вот-вот выйдет. А два альбома от Exivious навсегда останутся в моем сердце, которое так расположено к интересным гармониям и прочим выпендрежам в любой музыке.

Целотон Черноморович   3 дек 2024

В каждом жанре есть признанные лидеры, которые де-факто и ассоциируются с ним - просто скажите: black metal, power metal, death metal, thrash metal, и т. д. - и ассоциативно всплывёт в памяти ряд групп, по которым вы и определяете этот жанр. И есть огромнейший пласт групп так называемого второго эшелона, которые по тем или иным причинам не смогли выбиться наверх и остаются известны лишь узкой аудитории. Как правило, из-за своей вторичности в рамках жанра. Но это не обязательно плохо, потому что нельзя постоянно создавать новое, можно интересно творить и в заданных рамках. Просто это не принесёт такой славы и известности, кои обрели первооткрыватели и экспериментаторы. Главное - чтобы материал цеплял. И тогда у тебя обязательно будет свой преданный слушатель.

Примером такого крепкого середняка для меня стал проект немецкого гитариста Вальтера Гросса Crom. Это его сольный проект, который он создал, уйдя из известных немецких блэкеров Dark Fortress, записав с ними два альбома. Жанр своей группы Вальтер определил, как epic/viking/power metal, но де-факто это heavy/power переосмысление творчества Bathory, в любви к которому Гросс неоднократно признавался. Наверное, мне повезло, что в подборке мне попался "When Northmen Die" 2017 года, т. к. я позже пробовал слушать ранние альбомы, но они оказались слишком скучными и незапоминающимися. Новый альбом 2023 также не зацепил. А вот на релизе 2017 года Вальтер сумел выдержать нужный баланс музыкальных ингредиентов, начиная с красивой обложки с северным сиянием и валькирией, и заканчивая запоминающейся мелодикой.

Альбом состоит из среднетемповых композиций, посвященных павшим в битвах воинам. У Гросса приятный вокал, отлично интонируюший и расставляющий акценты в песнях. Ритм-секция (в том числе и ввиду темпа повествования) не представляет из себя ничего выдающегося, а вот соло в альбоме с лихвой, и именно они формируют всю торжественность, пафосность песен. Вообще, "When Northmen Die" по своей атмосфере очень напоминает "Valkirja" фарерцев Týr, только он более медленный. Ну а жемчужиной альбома Crom является вторая песня "All Alone", чей прекрасный запев сразу оседает в памяти и заставляет остановиться на этом диске, выделив его среди прочих.

Не являясь каким-то выдающимся представителем жанра, "When Northmen Die" тем не менее слушается приятно и легко, и его хочется переслушивать, чего и вам желаю.

Zmej Gorynych   3 дек 2024

До сего момента тут практически не затронутый пласт прогрессивной музыки из Италии стоит особняком от крупнейших европейских течений. Итальянцы очень часто ставят во главу угла возвышенный симфонизм и намного чаще остальных небританцев распевают на родном языке. Эти факторы позволяют уловить некую преемственность Rock Progresivo Italiano и ветвей искусства Высокого Возрождения, к которой стремились многие: Raccomandata Ricevuta Ritorno (итал. Письмо до востребования), Premiata Forneria Marconi (Прославленная пекарня Маркони), Quella Vecchia Locanda (Старый добрый кабак). Как видно, многие итальянцы для своих групп любили подбирать броские словочетания, ординарные в жизни, но весьма привлекательные, когда под таким знаменём развернут свой сложный грохот очередные чудаки. Данная же группа назвалась "Banco del Mutuo Soccorso", что можно перевести условно как "Банк на паях", "Банк взаимопомощи". В 1971 году состав до этого весьма заурядной группы, возглавляемой братьями Ноченци, претерпел значительные изменения - к группе присоединился талантливый вокалист Франческо Ди Джакомо, басист Ренато Д'Ангело и барабанщик Пьерлуиджи Кальдерони. Именно с таким костяком группа достигнет в ближайшие три года своего расцвета. Первый прогрессивный альбом, изданный в необычном конверте-"копилке", был воспринят меломанами на ура. Во втором полноформатнике Ди Джакомо воплотил свою идею об альбоме, посвященном теории эволюции Чарльза Дарвина. Лаконичное название, завораживающая детальная обложка, великолепное содержание - в нём, похоже, есть всё.

Начинается опус с масштабного вступления "L'Evoluzione" (Эволюция), которое несколько близко музыке Genesis и в котором раскрываются все музыканты, особенно дуэт клавишников (!) Ноченци в маленькой пьесе, вставленной после середины трека. В тексте прямо и очень резко эволюция противопоставляется католическим догмам о происхождении мира, что в извечно набожной Италии находит особый отклик. Двоякий трек "La Conquista Della Posizione Eretta" (Путь к прямохождению) начинается быстрым, тяжелым пассажем, который затем нисходит до замедлённой части, затем уже, после ещё одной такой пересменки, вступает лиричный вокал Ди Джакомо, которому впору завидовать большинству итальянских эстрадников. И те наверняка завидовали! Да и зря не подсмотрели в СССР этот коллектив. Идеологически весьма "прогрессивен", а уж вкупе с лирической песне об узнике режима Пиночета на следующем альбоме быть ему авангардом итальянско-советской культурной дружбы! Как бы сложилась история советской эстрады, если бы вместо Челентано повсюду бы включали "Банко"?

"Danza Dei Grandi Rettili" (Танец больших рептилий) - расслабленный джазовый трек, отдающий в начале стороны Б должный почёт некогда доминировавшим на суше, в воде и в воздухе видам. Этот трек резко сменяет песня о становлении первобытного общества "Cento Mani E Cento Occhi" (Сотня рук и сотня очей) - первую минуту клавишно-ударный напор звучит настолько безбашенно и футуристично, что ассоциируется скорее с Jet Set Radio, чем прогрессивным роком. Правда, это сумасшествие вскоре усмиряется вместе с рахманиновским проигрышем, хотя трек всё равно ищет лазейки, старается быть очень необычным. Самым популярным у публики номером во многом ожидаемо стала баллада "750,000 Anni Fa ... L'Amore?" (Любовь... за 750 тысяч лет до нашей эры?). В ней душераздирающей красоты вокал Ди Джакомо вновь выходит на новые высоты.

Два конечных трека, связанные сюжетно - "Misirere Alla Storia" - (букв. "Псалом 50 - Истории", "Отчаянная мольба пред мирозданием") и "Ed Ora Io Domando Tempo Al Tempo Ed Egli Mi Risponde ... Non Ne Ho!" (И вот я прошу времени у Времени, и отвечает мне Время - нету!), где повествование смещается с процесса эволюции на её итог - отточенный, великий Человек, который достигает того момента духовного развития, где в христианском искусстве обычно идёт экзистенциальная беседа с Господом. Здесь же, разумеется, Человек задаёт вопросы законам мироздания - в чём смысл Эволюции, когда, совершенствовавшись в добродетели, человек остался абсолютно неизменен в грехе? Да и зачем всё нужно, если время не желает останавливаться, перемалывая своими жерновами (которые звучат на протяжении последнего трека) всё, унося в небытие и принося, как до этого счастливо танцевавшим динозаврам, вымирание? На вопросы беспристрастное Время не ответило. Несмотря на тяжелое философское окончание "Darwin!", сама музыка финала весела и мажорна, с добавлением аккордеона и клавесина.

Вторая работа Banco del Mutuo Soccorso максимально зрелая, в ней едва ли есть даже сколько-нибудь слабые места. Речь идёт о, возможно, одном из лучших прогрессивных рок-альбомов мира, не только Италии. Новаторский, максимально монументальный подход позволил альбому и группе обрести культовый статус, даже несмотря на то, что уже к концу семидесятых сокративший название до Banco коллектив будет склоняться к намного более коммерческой музыке. В общем, для жернов Времени данная пластинка ещё долгое время будет крепким орешком.

R.I.P. Francesco Di Giacomo 1947-2014

IJzerklompje  23 ноя 2024

После альбомов "Break the Cycle" и "14 Shades of Grey", у группы Staind был ряд весьма неоднозначных пластинок, и в какой-то момент показалось, что команда перестала существовать. И каким же чудом стал выход "Confessions of the Fallen" спустя целых 12 лет ожидания!

Да, данный релиз однозначно нельзя назвать альбомом года, ибо пластинка звёзд с неба не хватает, но это достаточно крепкая и самобытная работа в стиле классических Staind. Т. е. тем, кому нравился звук команды начиная с времён "Break the Cycle" и далее, однозначно понравится и новинка 23 года. Ну а те, кто не любит или не понимает Staind, останутся ни с чем, ибо, повторюсь, музыка у коллектива весьма мрачноватая, местами с гроулингом и суицидальными текстами. Голос вокалиста Аарона Льюиса всё так же на высоте, абсолютно не изменился за прошедшее десятилетие, гитарные партии по-прежнему агрессивные, кое-где имеются даже электронные аранжировки. В общем, повторюсь, работа крепкая и дыр здесь нет.

Все три сингла цепляют с первых аккордов: баллада "Here and Now", сентиментальная грусть "Better Days" и, конечно же, бескомпромиссный "Lowest in Me". Крайне выигрышен агрессивный боевик о ненависти к самому себе - "Hate Me Too"; "The Fray" прекрасно бы смотрелась на альбоме "14 Shades of Grey," здесь та же атмосфера и звук. Заглавная песня "Confessions of the Fallen" - на мой взгляд, не самая сильная работа, но гармонично складывается в общий пазл. Примечательно, что и бонусы с Deluxe Edition: "Take" и "Full of Emptiness", также на уровне основного материала.

Работа очень и очень ровная, словно по ней несколько раз прошлись катком, туда и обратно. Однако это и понятно, музыканты пытались воссоздать классическое звучание своей успешной поры, без каких-либо экспериментов в звучании, и в целом им это удалось. Альбом действительно хочется снова и снова ставить на "repeat", а о большем и не стоить мечтать. Для любителей ню-метала - однозначно рекомендую к ознакомлению.

NightRider  14 ноя 2024

Удивительное чувство охватывает меломана, который включает свежий альбом команды BUICIDE под названием "Aftermath Existence". Может быть, оттого что это Technical Death Metal, может быть, оттого что здесь на диске неплохо отработан саунд. Может быть, оттого что в голову слушателю-металлисту лезут разные мысли о параллелях и прочем геометрическом антураже.
Впрочем если вслушиваться далее, то посторонние мысли скоро исчезнут и слушатель окажется под существенным влиянием музыкального армагеддона, что несется с серебристых дорожек реал-диска или сурового диджитал-послания BUICIDE . Причем влияние это вполне себе интеллектуального смысла, насколько это вообще возможно в рамках Death Metal. Ответ положительный - возможно!
Потому что надо вслушиваться в искусные мятущиеся гитары, откликаться на неслабую архитектуру музыкального контента, реагировать на ритм-секцию, которая несется то быстро, то не очень, то просто джазово вибрирует в диком экстазе.
Ого, я тут сделал не очень большое открытие (информацию об альбоме не надо игнорировать). Вокалист и гитарист BUICIDE - это один музыкант Сергей Кузнецов. На концертах нелегко приходится, понятно. Да и в процессе сочинения, записи - непросто. Но гитары никак не оказалась в загоне, сами слышите. Более того, в группе есть еще один гитарист, думаю не только для подстраховки, скорее всего для решения в целом на альбоме важных и артистичных задач. Техничных, как минимум, но местами и прогрессивных, как пить дать.
И всё время проигрывания диска BUICIDE меня преследовал с какого-то бодуна образ ректификационной колонны, или по-народному - самогонного аппарата. Не сказал бы, что захотелось выпить. Нет, а вот образ очищенного, высококачественного и прозрачного продукта - однозначно. Дело в том, что посмотри на свет любой трэк Buicide с сабжевого альбома, так при всей крепости (и особенно тяжести) его видно насквозь, каждый закоулочек и нюанс, каждый нешуточный оскал звериного настроения, каждый выдох и стук сердца загнанной жертвы. Да, понятно, классное продюсирование, НО сначала-то надо было чисто сыграть. В этом у команды проблем нет - с таким солидным бэк-граундом за плечами.
Пора бы сказать пару ласковых и про вокалиста. Хладнокровный, однако, певец попался, но и артистический образ под стать, так что выдвигать тут претензии - только время терять. При всем при том этот вокальный аватар оказывается не настолько зафиксирован, как казалось. В композиции "Stuck in Theories" эмоциональный внутренний напор певца, кажется, плавит установленные рамки, послушайте сами...
Что тут выделить? Сложная задача. Но всё-таки - "A.l. Mutation of New Shapes". Напряженный - среди нервических трэков диска, но еще плюс набитый музыкальной гремучей смесью по самые красные линии. По-настоящему буйный, беспокойный, как нежить в полнолуние (зловещий пронзительный соляк после середины).
Да и "The State of Eternal Punishment", кажется, напоен таким нездоровым эпическим чувством, что поставить его как финишный трэк - просто бесценно. С таким мощным финалом - это не просто закрывашка альбома, а реальный мост к будущим работам ансамбля.
Большие баллы, однозначно.
P. S. А сама команда и никогда и не скрывала, что играет лучшие каверы на Death.
- Верю!

resurgamresponses  20 окт 2024

Почти всем молодым музыкантам присуща искренность в творчестве. Dimmu Borgir на пике своей популярности стали символом помпезности и пафосности тяжёлой музыки, но их дебютник - это та самая мальчишеская искренность и непосредственность. Когда ещё не думаешь о заработках, о популярности, о шаблонах и стандартах. Ты просто творишь ради творчества как такового. Многие в раннем периоде Dimmu Borgir ставят на вершину "Stormblåst", но мне ближе и краше дебютный "For all tid". Причём переиздание, с прикреплённом на верхнем этаже двумя треками "Inn i evighetens mørke" с сингла 1994 года.
Открывает альбом "Det nye riket", где тягучая атмосфера торжественности из-под пера Stian Aarstad'a перетекает в его же клавишный перелив с речью на норвежском - нас плавно погружают в серые пейзажи сказочного мира, в который нам предстоит погрузится в ближайшие 50 минут. И с первых аккордов "Under korpens vinger" - фирменное для начала 90-ых жужжание гитар с соответствующей ритм-секцией. Считается, что блэк - музыка злая, но у ранних Dimmu Borgir она скорее меланхоличная, тем более, что почти весь альбом сыгран в среднем темпе. Каркающий вокал, кстати, здесь принадлежит Silenoz, а Sharath исполняет лишь бэки, плюс большинство ударных партий. Ну и нельзя не отметить безумно красивые клавишные партии Stian Aarstad'a - они подобно клею, соединяют все эти робкие и неуверенные пробы пера молодых (почти все участники на момент написания пластинки были несовершеннолетними) музыкантов в какую-то невероятно уютную ноябрьскую атмосферу. На третьем треке "Over bleknede blåner til dommedag" лидирующим внезапно является разговорно-тянущий вокал приглашённого Aldrahn'a, что делает композицию одной из самых запоминающихся на альбоме.
Четвертый трек, "Stien", наконец пытается напомнить, что участники группы не просто так строили рожицы в корпспэйнте в буклете - они играют черный металл, потому ритм-секция в этой песне на лидирующих позициях, темп шустрый, клавиши задвинуты на задний план, и звучат подобно рожку северного пастушка.
"Glittertind" продолжает тему своего предшественника и тоже держит высокую скорость, хотя и имеет среднетемповые перебивки. При этом пятый трек является фактическим инструменталом, Silenoz в прямом смысле просто каркает, слов в песне нет.
Заглавная композиция "For all tid" открывается красивым полуакустическим интро, чтобы на исходе второй минуты перетечь в фирменную блэковую среднетемповую жужжалку. Действительно, одна из самых красивых песен альбома. В том числе и потому, что имеет красивое зеркальное вступление и заключение, которое начинается с пятой минуты...
"Hunnerkongens sorgsvarte ferd over steppene" - очередная блэк-долбилка, но ввиду её короткой длины, а также среднетемповой сбивки в середине, не успевает надоесть, и мы плавно переходим к одной из самых знаменитых и популярных песен группы...
"Raabjørn speiler draugheimens skodde". Её известная, перезаписанная для альбома 1997 года версия звучит иначе, а вот оригинальное исполнение - это настоящий гимн северному ветру. Каждый, кто бывал на северном берегу в неясную сырую погоду, знает, насколько промозглыми и злыми из-за влажности бывают порывы воздуха в это время. И словно Ньёрд, недовольный незванному гостю на берегу его владений, Silenoz под аккомпанемент музыкантов группы рычит на слушателя. Пять минут песни пролетают незаметно.
Выдержав накат скандинавского бога ветра и морской стихии, мягкое клавишное вступление "Den gjemte sannhets hersker" обволакивает, вроде как успокаивая после предыдущего нападения, но лишь две минуты, после чего злобное ворчание Silenoz'a вновь возвращает нас в основное блэковое повествование. А на его исходе - клавишное outro, подобно бегущим на скалистые фьорды волнам, и гитарное соло Tjodalv'a дорисовывают прекрасный образ мира, созданного пятью молодыми норвежскими музыкантами. Местами аляповатого, но цельного и цепляющего. И с каждым затухающим аккордом ты понимаешь, что не хочешь его покидать, хочешь в него вернуться.
На этом "For all tid" заканчивался, но, как я уже говорил, я услышал его впервые в 2004 году уже в переиздании, с двумя частями "Inn i evighetens mørke". И если вторую часть, бездумную долбилку, лучше было бы спрятать куда-нибудь в середину альбома, так как она прямолинейна, как проспект в центре города и не представляет большой ценности, как отдельный элемент творчества, то первая часть, "Inn i evighetens mørke Part 1" - один из самых красивых инструменталов в музыке, которые я слушал. Звуки метели, добавленные в общее повествование, лишь акцентируют очарование трека. Медленные, неторопливые гитарные переборы, холодные, как вьюга, клавиши. Эта мелодия закручивает, затягивает, пробирает до нитки. Ведь не всем дано любить солнце и тепло? Кто-то любит вот такую промозглую, серую погоду, в ней есть особенная красота. Инструментал "Inn i evighetens mørke Part 1" отлично её передаёт, просто запустите его, и вы сразу перенесетесь на берег Белого или Баренцева моря ноябрьским пасмурным днём..
Очень красивый альбом, один из лучших дебютников, что был на сцене, и до сих отличное произведение само по себе!

Zmej Gorynych  14 окт 2024

Так случилось, что Wormed и Human Mincer - одни из первых групп, с которых для меня начался дэт-метал. Сначала дверь в мир «метала смерти» для вашей покорной слуги открыли американцы Immolation, а вслед за ними подтянулись и другие команды. Признаться, Росс Долан и Флегетон всегда занимали первые места в списке моих любимых вокалистов, и первое, на что я обратила свое внимание, когда увидела фронтмена этой испанской брутальной формации, - его длиннющий и густой хаер. С тех пор прошло много лет, но все эти годы я следила за творчеством этого музыканта (а всяких разных проектов, в том числе и блэковых, у него предостаточно). Но это было небольшое лирическое отступление.

5 июля 2024 года на лейбле Season of Mist вышел четвертый полноформатник техникал-брутал-дэт-метал формации Wormed «Omegon», который лично для меня стал лучшим альбомом группы за всю историю её существования (банда образовалась в 1998 году).

Первым синглом с него стала композиция “Automaton Virtulague”, с которой эти испанцы, непревзойденные мастера научно-фантастического техно-дэта, приглашают слушателей выйти за рамки измерений.

Эта космическая концепция очень хорошо подходит для дэт-метала, и множество групп уже подхватили её, но мало кто воплотил её так полно и так умело, как данный мадридский коллектив. Эти ребята уже более двух десятилетий рассказывают нам истории о невыразимых ужасах из-за звезд и искажениях в самой ткани реальности через призму очень атмосферной и зачастую головокружительно техничной брутальности.

С таким же успехом они могли бы быть с Нептуна, Плутона или любой другой далекой планеты, которая даже не находится в нашей Солнечной системе, настолько космической причудливостью отличается безумный дэт-метал Wormed.

Лирика банды всегда была очень концептуальной, но теперь к ней добавилась настоящая история, повествующая о титульном протагонисте и его эпических попытках предотвратить грядущее уничтожение человечества от рук высокоразвитой злобной сущности, стремящейся заменить все органическое во Вселенной технологиями.

Сюжет альбома связан с древними космическими конфликтами и поиском всевластия с помощью вещества, известного как “омегон”. Сингл рассказывает историю Кригсу (Krighsu), “взломщика временных линий, вовлеченного в космические манипуляции”, и служит своего рода прологом к дальнейшим событиям.

"В бесконечных просторах вселенной, где стираются границы между технологией и арканой, Wormed стоят у руля, ведя слушателей через космический хаос с их первым из долгожданных альбомов "Omegon". Известные своим непревзойденным мастерством Sci-Fi Tech Death Metal, они приглашают вас выйти за пределы измерений", - говорится в пресс-релизе Season Of Mist.

Это - "звуковое путешествие на фоне древнего космического конфликта, в котором цивилизации борются за всемогущество субстанции, находящейся за пределами земной жизни".

«Omegon» переносит поле боя из реального вакуума космоса в более метафизическую область; в этой реальности искусственный интеллект и сложные, постоянно меняющиеся алгоритмы поработили человечество и держат его в заложниках в своего рода цифровом аду, а Кригсу в это время бешено путешествует между реальностями в поисках неизвестного источника космической энергии под названием Омегон. Эта сила, которая в тексте заглавного трека описывается как "высшая форма технологической алхимии" и "код творения", даст своему обладателю верховную власть над сущностью пространства и времени и позволит человечеству наконец избавиться от этого аморфного нанотехнологического заклятого врага. Но, как и в любой хорошей истории, это гонка со временем, и Кригсу, конечно, не единственный, кто ищет эту высшую силу.

Диск был записан в студии BlackStorm, а сведением и мастерингом материала занимался Колин Марстон (Colin Marston), известный по сотрудничеству с GORGUTS, IMPERIAL TRIUMPHANT, ORIGIN и др. Спродюсировал альбом Экайц Гармендиа.

Обложку нарисовал вокалист Wormed Флегетон. Он же придумал концепцию анимационного ролика на “Automaton Virtulague” и занимался его пост-продукцией в своей Phlegeton Art Studio, а саму анимацию создал Полихедрон (Polyhedron).

В музыкальном плане «Omegon» - это абсолютный вихрь технического блеска и брутальной элегантности: столь же стремительный и непредсказуемый, сколь и атмосферный.

Он суровый, жестокий и беспощадный, техничный и сложный, плотный и интенсивный, наносящий точные хирургические удары технического дэт-метала и причиняющий неумолимое опустошение брутального дэт-метала.

Его, безусловно, можно сравнить с работами таких коллективов, как Defeated Sanity и Malignancy, хотя, очевидно, он гораздо более тематичен и театрален.

Ударные являются главным украшением альбома: экстраординарный барабанщик V-Kazar (Габриэль Валькасар) демонстрирует потрясающую, в высшей степени ловкую игру, которая не оставит никого равнодушным. Здесь есть множество мелких, но чрезвычайно приятных деталей, таких как неожиданный росчерк на хай-хэте или фрагменты, где можно услышать, как вокалист Флегетон делает быстрый, резкий вдох прямо перед тем, как группа выходит из затянувшейся паузы. Этот альбом состоит из тысяч крошечных моментов, подобных этому, которые собираются вместе, как кусочки пазла, чтобы создать одну полную и грандиозную картину.

Первые четыре трека довольно прямолинейны, каждый из них развивает сложность и интенсивность предыдущего, но интерлюдия "Malignant Nexus" демонстрирует заметные перемены. Она взяла поток риффажа и бласт-битов, который был в предыдущих треках, и влила в него яркое чувство атмосферы и мелодичности. Бласт-биты все еще присутствуют - это же Wormed, но теперь они были переосмыслены. И эта тенденция продолжилась в следующем треке "Virtual Teratogenesis", в котором Wormed попробовали свои силы в более прямолинейном мелодичном груве.

По всем песням разбросаны креативно написанные слэмы и брейкдауны, но есть одна тема, которая, несмотря на джазовую и немного нестандартную структуру, от начала и до конца сосредоточена почти исключительно на груве, и это шестой трек "Virtual Teratogenesis".

Этот номер - самый интересный для прослушивания, в нем органично сочетаются броскость, техничность и атмосфера, к чему стремятся многие группы, но мало кому удается добиться хоть сколько-нибудь значимого результата.

«Virtual Teratogenesis» позволяет техничности группы господствовать, поскольку сложные риффы изгибаются и скручиваются, чтобы парить над неистовым хаосом внизу.

«Protogod» может похвастаться плотными слэмами, которые бьют, как товарный поезд, и головокружительным количеством техничности в риффах, которые держат вас в напряжении.

Что касается атмосферной стороны, то использование чистых гитар в "Gravitational Servo Matrix" и заглавном треке толкает Wormed в межзвездное пространство. В заглавном номере испанцы объединяют свою брутальность с призрачно злой атмосферой, которая искусно вписывается в научно-фантастическую историю.

В последней трети альбома музыканты уже не ограничиваются гениальным, но очень сложным риффингом, а вместо этого делают акцент на скольжении по просторам вселенной с помощью сферических аранжировок.

"Pareidolia Robotica" украшена модулированным роботизированным вокалом, озвучивающим тексты, отсылающие к творчеству американского писателя-фантаста Филипа Киндреда Дика (англ. Philip Kindred Dick; 16 декабря 1928 года, Чикаго, США — 2 марта 1982 года, Санта-Ана, Калифорния, США).

«Omegon» - это самый длинный релиз группы, и дополнительное время позволяет Wormed еще больше обогатить свой свирепый звук, исследуя каждую часть пространственно-временной аномалии, в которой музыканты обитают.

Еще одно заметное отличие «Omegon» от предыдущих релизов команды - это продюсирование, которое звучит гораздо органичнее и просторнее, вновь позволяя группе расширить границы своего звучания.

Звук стал чище и современнее, оставляя место для большего динамического диапазона, но он не такой резкий, как раньше, но и не такой плотный и удушливый, как у других групп, к которым приложил руку Марстон.

Wormed еще никогда не звучали так органично и естественно, особенно это касается ударных. Барабаны теперь звучат как настоящие, реальные барабаны, и они ослабили свою индустриальную стену звука, не теряя при этом индустриальной техничности и исполнения.

К сожалению, продюсирование предыдущих альбомов не выдержало конкуренции с другими элементами, которые могли бы сделать эту группу первоклассной дэт-метал формацией. Если другим "космическим" дэт-метал коллективам, например, таким как Blood Incantation, удавалось создать удушающую атмосферу, то Wormed всегда казались стерильными и плоскими. Саунд их релизов всегда разочаровывал меня своей излишней «вылизанностью», так характерной для мелодик и модерн-дэта. Но с выходом «Omegon» всё это изменилось.

Очевидная разница проявляется с первых же секунд звучания пластинки. Вас сразу же встречает дезориентирующий шквал пылающих риффов и взрывной треск, который звучит так, будто он выведен прямо из Солнечной системы. Здесь есть определенная доля мутности и космической дикости, которой не хватало предыдущим работам группы. Возьмем, к примеру, брейкдаун в конце «Protogod». Это идеальная смесь брутальности и космической атмосферы, которая позволяет понять, насколько эволюционировало творчество испанцев. Wormed научились балансировать между плавящими лицо риффами, нечеловеческими ударными и атмосферой, напоминающей плавание в космосе, когда кислород медленно иссякает до нуля. И результаты этих изменений в звучании приносят огромные дивиденды.

«Omegon» - это альбом, в котором группа наконец-то смогла в полной мере раскрыть свой потенциал.

Elena_Kalistka  12 окт 2024

14 июля 2024 года французская блэк-метал группа Seth выпустила свой седьмой студийник под названием «La France Des Maudits» на лейбле Season Of Mist. Выход пластинки специально был приурочен к французскому национальному празднику - дню взятия Бастилии (фр. La Fête Nationale).

Участники группы так комментируют этот релиз:

«Новый альбом "La France des Maudits" вдохновлен улицами, истекающими кровью под поцелуем гильотины. Выпустив "La France des Maudits", Seth подписали гимн тем, кто поднимается из руин, несгибаемым, вечным бунтарям. Это возрождение блэк-метала предлагает историю неослабевающей ярости, вызывая дух восстания, освобождения и неповиновения божественному гнету. Гимны сопротивления, повторяющие крики новой эпохи, не желающей преклонять колени перед божественным декадансом».

"Это блэк-металлическое евангелие для проклятых и отверженных, для тех, кто отказывается преклонить колени перед божественным декадансом и вместо этого восстает, как призраки в ночи", - говорят Seth, подчеркивая глубину и интенсивность тем альбома.

В пресс-релизе музыканты описывает свою новую работу как "революционную симфонию", вдохновленную бурной историей Франции. Ведущие треки, такие как «Et Que Vive le Diable!» и «Dans le Coeur un Poignard», выражают сырую энергию и непоколебимую ярость группы. Эти гимны говорят о мире, стоящем на пороге апокалипсиса, где угнетенные восстают против небесного гнета.

Диск был записан в студии Sainte Marthe, а его продюсированием, микшированием и мастерингом занимался Фрэнсис Каст. Художественное оформление выполнено Энди Джулией. Это визуальное повествование дополняет лирические темы, изображая макабрическую интерпретацию Французской революции, пронизанную символическими образами восстания и распада.

Пусть костры Нотр-Дама давно потухли, но из их пепла восстает революционная сила угнетенного и проклятого Парижа. И гимны этого альбома горят так же пылко, как и песня «La Morsure du Christ» с предыдущего студийника. "La France des Maudits" погружает нас в Париж времен Революции и ее эпохи разрушения. Он затягивает нас, бросает в самое сердце конфликта и оставляет наше тело в синяках и переломах к концу.

Все песни этого альбома пронизаны духом революции, который до сих пор витает на улицах Парижа. Словно современные Мараты и Робеспьеры в коже и шипах, эти брутальные французы вспоминают то время, когда их родная страна была охвачена социальными потрясениями, когда звук гильотины был в порядке вещей, и его можно было слышать ежедневно, а кровь дворян и простолюдинов литрами текла по улицам столицы.

Приготовьтесь маршировать под знаменами Seth, ведь «La France Des Maudits» приглашает своих слушателей не к силе, а к злорадству.

Это музыкальное предложение, глубоко укоренившееся в исторической и культурной почве родины участников группы, представляет собой мрачное путешествие по анналам бунтарства и отчаяния, запечатленное в девяти гимнах ярости и неповиновения.

"La France des Maudits" - это ода эстетике, каждая деталь этого альбома передает смысл, символизм и темную красоту. Это - героическая ода самому мрачному событию в истории Франции.

Сразу же при первом беглом взгляде на релиз в глаза бросается чрезвычайно яркая и стильная, воистину шикарная обложка. Стоит только на нее посмотреть, как ты тотчас же окажешься в мрачном Париже, приговоренном палачом в сверкающем красном плаще, но с острой косой. Настроение создано, и звучит призыв: вставайте, сопротивляйтесь, бунтуйте и, самое главное, оставайтесь на ногах. На фоне Французской революции и божественного проклятия лирика вокалиста группы Святого Винсента, написанная александрийским стихом, обретает вдохновляющий смысл. Содержание текстов, которые действительно впечатляют, обязательно пристрастно, и оно заставляет вас задуматься о важных вещах. Кто знает, возможно, если бы Святой Винсент не стал музыкантом, из него мог бы получиться гениальный поэт современности, способный сравниться с самим Бодлером?

Мелодии на альбоме просто великолепны. Здесь есть жесткая и плотная структура блэк-метала, дополненная историей, которая, кажется, оживает по мере прослушивания пластинки.

Музыку Seth нельзя назвать революционной, но она как всегда очень атмосферная и исполненная со вкусом. Поклонники леденящей душу скандинавской холодности или сырого, грубого и пещерного блэк-метала ошиблись адресом: у Seth дух бунтарства идет рука об руку с мрачным романтизмом и жутковатым благозвучием. Для банды характерны интенсивная ярость, но в то же время мелодичность и поэтичность.

Сильной стороной группы всегда была скорее атмосферность, чем скорость и тяжесть, о чем убедительно свидетельствует открывающая альбом композиция "Paris Des Maléfices" с ее жуткими хоралами, меланхоличными, но завораживающими мелодическими пассажами и лаконичными, но не слишком доминирующими клавишными.

За исключением нескольких обязательных взрывных пассажей с быстрыми, режущими и звенящими тремо-риффами, эти французы редко нажимают на газ. Seth склонны к эпическим композициям, наполненным зажигательной драматургией. В основном они придерживаются величественного среднего темпа, и именно интенсивная, драйвовая вокальная манера фронтмена Святого Винсента на таких треках, как "La Destruction Des Reliques" или завершающем номере "Le Vin Du Condamné", разжигает революционный дух.

Умерив свой ядовитый шквал бласт-битов, надрывных риффов второй волны и злобного скрежета, которые мы могли с вами наблюдать на «La Morsure Du Christ», более тяжелыми дозами минорной мелодики, группа вплетает пронзительные, даже меланхоличные темы в усиленную атмосферу и динамичные, плавные ритмы, создавая многослойные, аффектированные композиции, сохраняющие тяжелую дозу характерной праведной ярости. Вокал охватывает значительно более широкий диапазон, который так же часто задыхается и кричит от страдания, как и рычит от гнева. Охватывая широкий спектр мощно воздействующих эмоций от ярости ("Paris des Maléfices") до тоскливых причитаний (интерлюдия "Marianne") и непокорной гордости ("Et que Vive le Diable!"), большая глубина чувств этого альбома является его самой большой силой.

Инструментальные аранжировки - резкие риффы и призрачные мелодии клавишных - создают дуалистический звуковой ландшафт: частично праздничный, частично боевой.

Клавиши и хоралы - неслучайные дополнения, они расширяют и углубляют ауру и без того динамичного, красивого и освежающе чистого звукового ландшафта. На самом деле, ничто не является случайным дополнением; это блестяще сбалансированный альбом.

Умеренная оркестровка также придает произведениям тонкий барочный оттенок, свидетельствующий об угасающем великолепии и разрушающихся памятниках культуры. Несколько раз, как и на предыдущем релизе, появляется виола да гамба, подчеркивая "ренессансный" аспект, задуманный группой.

Поскольку Революция - душа этой истории, Seth интерпретирует ее через призму восстания против теократического порядка, которое проявляется в сатанинском неповиновении - связь, восходящая как минимум к "Потерянному раю" Мильтона. Но это не одномерное богохульство. Каскадные переливы теплой и звонкой гитары заставляют нас почувствовать горе и боль забытых, проклятых, иногда с эхом интроспекции ("La Destruction des Reliques"), иногда с балладным пафосом ("Dans le Coeur un Poignard"), иногда с беспокойными сменами клавишных партий ("Paris des Malèfices") или предвкушающими подъемами гаммы ("Le Vin du Condamnè"). Однако всегда песни поднимаются и опускаются с кинематографическим динамизмом. Таким образом, когда страсть достигает пика, она становится еще более мощной ("Dans le Cœur un Poignard", "Insurrection"). Слушатель оказывается вовлеченным в яростный призыв, который поднимают Seth. Повторяющиеся припевы, соединенные с убедительными минорными мелодиями и усиленные множеством голосов, кричащих как один, превращают песни в гимны солидарности, которые горят яростной решимостью. "Insurrection" становится определяющей, величайшей песней альбома о свободе.

Все композиции пластинки отточены так, чтобы оставить неизгладимое впечатление от прослушивания, с мелодиями, которые бьют в голову, и текстами на французском языке, которые остаются в памяти. Это очень зрелый альбом с безупречным продакшеном.

В альбоме восемь песен, и "Paris des Maléfices" – первая из них. Она начинается с женского бэк-вокала и воплощает в себе квинтэссенцию величия и жестокой свирепости, характерных для Seth, в основном благодаря вокальному исполнению Святого Винсента. После хаотичной вступительной части наступают моменты мелодичности и симфонии. Это больше похоже на оркестровую пьесу, чем на номер в стиле блэк-метал.

Открывающий номер задает грозный тон, вихрь гитар и клавишных рисует портрет города не просто света, а озаряющей тьмы. Вокал Святого Винсента как всегда свиреп, это вязкий крик из глубин революции. Эта песня - мастер-класс по созданию тематической сцены, хаотичная, но тщательно структурированная смесь ярости блэк-метала и готической атмосферы. Если вам понравился последний альбом группы «La Morsure du Christ», то этот трек даст вам понять, что вас ждет еще одна радостная адская поездка...

Данная тема является прямой отсылкой к Бодлеру и откровенной данью уважения к нему.

Композиции "Paris des Maléfices" и "Ivre du Sang des Saints" отражают общественные потрясения и крайние меры, предпринимаемые как революционерами, так и государством. Через лирическое содержание альбома можно прочувствовать насилие, которое часто сопровождает радикальные перемены.

"Да здравствует дьявол!" Таков девиз второго трека "Et Que Vive Le Diable!", и эта композиция похожа на дьявольское посвящение и звуковой штурм. В ней быстрые барабанные партии Алсвида достигают почти мифической интенсивности и налетают на вас, как пули, выпущенные из пулемета, и в песне есть как моменты ярости, так и моменты отчаяния.

С грубыми взрывами, но всегда с безупречной мелодией, музыканты вступают в нее под аккомпанемент органных клавишных, которые вскоре превращаются в адский грув, и им удается блеснуть благодаря фантастически сыгранной лид-гитаре. По ходу песни в звучание добавляются элементы хорала, и вокалист Святой Винсент в очередной раз убедительно доказывает, что он один из лучших в своей гильдии.

Номер "Et Que Vive le Diable!" выделяется как провокационный вызов авторитету церкви, который был неотъемлемой частью идеологического ландшафта Французской революции. Этот трек символизирует растущее разочарование в церкви, которую многие революционеры рассматривали как морального и политического антагониста. Название и текст песни предполагают радикальный отказ от традиционных религиозных ценностей, выступая за новый порядок, в котором будут доминировать светские идеалы.

Вызов религиозному авторитету в альбоме можно рассматривать в контексте более широкого повествования о мысли эпохи Просвещения, которая часто критиковала роль церкви в управлении и общественной жизни. Таким образом, композиция отражает исторические настроения и находит отклик у современных слушателей, которые могут воспринимать схожие конфликты между религиозными институтами и общественным прогрессом. Научная работа Эдварда Саида о роли "Другого" в определении культурных границ обеспечивает ценную основу для понимания того, как альбом использует религиозные образы для критики властных структур.

Анализ, проведенный с помощью теории культурной гегемонии Антонио Грамши показывает, как альбом использует музыку в качестве контргегемонистского нарратива, который бросает вызов установленному порядку, укрепляя альтернативные идеологии. Таким образом, трек и весь альбом в целом служат не только историческим повествованием, но и современным призывом к действию против угнетения.

Наконец, следует отметить визуальный и лирический акцент «La France des Maudits» на обездоленных - примером тому служит очень спокойный, скорбный, задумчивый и почти созерцательный трек "Dans le Coeur un Poignard", который начинается как будто с пауэр-баллады. Лично мне он чем-то напомнил творчество польской блэк-дум-метал формации Батюшка (особенно видеоклип). Номер величественен в своей музыкальной красоте и знаменует собой переломный момент в альбоме. Это тот момент, когда вся боль обрушивается на ваши плечи, и это оказывается слишком тяжело.

Песня подчеркивает глубокую человеческую цену революции. Этот акцент смещает повествование с действий сильных мира сего на переживания простых людей. Сочувственное изображение приглашает слушателей задуматься о страданиях, выпавших на долю многих людей в столь бурные времена.

Данный эмпатический подход можно проанализировать через призму теории Теодора Адорно об искусстве и обществе, которая предполагает, что искусство может вызывать сочувствие и катализировать социальные изменения, представляя человеческие страдания, чтобы вызвать моральный и эмоциональный отклик у аудитории.

Эпическая вещь "La Destruction des Reliques" продолжает историю с моментами размышлений и никогда не успокаивается, потому что ужасные воспоминания оживают и останавливают вас на полпути.

Это – то место, где альбом по-настоящему сияет и представляет собой гобелен тени и неповиновения, сотканный из нитей древних пророчеств и оккультных шепотов. Гитары Хеймота и Дракхиана прорезают микс острыми как бритва риффами, а клавишные Пьера Ле Папа добавляют слои призрачной мелодии. Этот трек, как и сам альбом, является одновременно кивком в прошлое и смелым шагом вперед, объединяя традиционные элементы блэк-метала с современной чувствительностью.

Короткая, но пронзительная, нежная и романтичная интерлюдия «Marianne» служит моментом размышления, прежде чем слушатель снова погрузится в водоворот с «Ivre du Sang des Saints». Она представляет человеческую сторону битвы, чтобы мы не забывали, что в ней участвуют сыновья, братья и отцы. Она может быть его девушкой, любовницей или даже женой. Унылые ноты в песне передают настроение.

Не обманывайтесь атмосферой The Sisters of Mercy, которая окутывает ее начало - жестокость этого трека ощутима, каждая нота пропитана вином осужденных людей и кровью святых. Это вязкое повествование о восстании, каждый аккорд - удар по божественному гнету.

В "Ivre du Sang des Saints" слышится знакомый марш битвы без явного победителя. Именно в грязи и гуще событий выживают те, кто наиболее решителен, и внутренняя борьба здесь отражается в твердых тонах музыки.

"Insurrection" - еще один поворотный момент. Вся злость и ненависть, которую вы копили, выплескивается на мир, как четырехголовый монстр, и он здесь не для того, чтобы задавать вопросы.

Это - центральная вещь альбома, экспансивная композиция, в которой воплощен яростный, черный дух Seth. Она длится более семи минут и представляет собой путешествие в самое сердце тьмы, где фасады величия рушатся, обнажая сырую плоть и зловоние истинного человечества. Заключительные моменты трека перекликаются с духом бунта, призывом к оружию.

"Le Vin du Condamné" закрывает пластинку и завершает историю. Это - реквием по павшим, последнее свидетельство силы и страсти, вложенных Seth в альбом.

Это финальная битва, и назад дороги нет. В торжественных мелодиях чувствуется гнев и ненависть, слышны последние взмахи мечей и выстрелы.

Моими личными фаворитами на этом диске стали композиции «Et que Vive le Diable!» (на которую также был снят клип) и «Ivre du Sang des Saints».

Особого внимания заслуживает кавер Сержа Генсбура "Initials B.B" - бонус лимитированного издания Digibox, приятный сюрприз для поклонников.

Таким образом, с новым альбомом "La France des Maudits" Seth вновь обратились к сердцу Франции, израненной историей, но при этом такой осязаемой и ужасно актуальной. Их блэк-метал полон нюансов и атмосферы, но их посыл ясен: сопротивление угнетению и объективный взгляд на мрачную реальность.

«La France des Maudits» - это адский релиз, объявление войны и призыв к оружию для всех, кто смеет мечтать об ином, реформированном мире. Это альбом, в котором слышны отголоски Парижа, осажденного не армиями, а душами, жаждущими освобождения. Это не просто альбом, это сложный культурный артефакт, который предлагает многогранное исследование Французской революции, затрагивая темы насилия, власти, восстания и сопереживания. Он вносит значительный вклад в музыкальные и культурные исследования, переплетая исторические повествования с современными проблемами, и заставляет слушателей переосмыслить прошлые революции и рассмотреть их роль в текущей динамике общества. Благодаря убедительной интеграции музыки, истории и теории, "La France des Maudits" достигает удивительного резонанса, который охватывает как время, так и различные дисциплины.

"La France des Maudits" - это мастер-класс по сочетанию красноречия и грубой агрессии. Его повествование эпично и связно, в нем переплетаются искусство, ненависть и восстание с изяществом, балансирующим между тонкостью и грубой силой. Seth продолжает воспевать грандиозное и непристойное, современное и историческое через вызывающую призму величия и бунта, отмечая очередную главу в своей легендарной дискографии.